
Ambas músicas son raciales, vienen del sur y se fundamentan en el genio y libertad de sus intérpretes. El jazz es, ante todo, improvisación, vida, expresividad, evolución constante. El jazz es un estilo de música que no es fácil de explicar. Basta con sentirlo y entrar en su onda, en esa atmósfera especial y unica creada por los grandes artistas del género.
Reproductor de música
domingo, abril 28, 2013
Reseña del Álbum Feelinks de J. M. Quintana Cámara

sábado, marzo 24, 2012
domingo, marzo 04, 2012
J. M. Quintana Cámara - From the top of the cliff
Desde su canal YouTube se puede ver el videoclip y descargar el single.
http://www.youtube.com/user/jmquintanacamara
jueves, mayo 26, 2011
Dario Boente's Sur: A Collection of Argentine and Electronic Jazz
The time is ripe for the music world to recognize in pianist/composer Dario Boente a musician of the caliber of his well-lauded fellow Argentinians such as pianists Raul di Blasio, the late Jorge Dalto, Adrián Iaies, Daniel Tinte, and Guillermo Klein, just to name a few. Boente’s latest release, simply titled Sur, (2011, Dario Boente Music), finds the artist performing several original songs as well as Argentine Nuevo tango standards with a new ensemble of musical visionaries, many of whom are leaders of their own bands.
Dario Boente’s circle of musical colleagues include Gregoire Maret, harmonica; Marta Gonzalez, vocals; Hector del Curto and Jofre Romarion, bandoneon; Pablo Aslan, bass; Antonio Sanchez, drums; and Mauricio Zottarelli, percussion, all of whom understand Boente’s new outlook of Piazzolla, the composer, national hero and prime force of the Nuevo tango movement. (Boente 2011).
The program opens with one of Piazzolla’s most heartfelt compositions – “Milonga del Angel.” Dario Boente combines his exemplary piano lyricism with electronic excerpts and Romarion’s priceless bandoneon playing on this exceptional rendition of Piazzolla, the romantic.
He follows with “Nanda” a beautiful original composition with all of the rich harmony and melody that Boente has come to be known for. Played as a solo on the acoustic piano, the real business begins with his lovely arpeggios and classical approach to the subject. The appropriateness of the music in this environment of jazz and Argentine folk songs is obvious. What better expression can be found for a tribute to someone special?
“Electric Heart” reveals Boente’s skill as an artistic composer who can successfully fuse modern and traditional sounds. This song is an electronic World-beat jazz tour-de-force punctuated with the energetic sound of the bandoneon that will have you on the dance floor all night! By contrast, a second Piazzolla composition, one that was written as a response to the death of Piazzolla’s father, follows. “Adios Nonino,” is also performed as a solo on the acoustic piano by Boente who artfully infuses the hopeful colors of consolation for the living with the deep and heartfelt mood of this requiem.
The mood changes on the next song. What listeners will realize as Boente’s love motives, both rhythmic and melodic, abound in the soulful moods of his “Divine Love,” an original Boente Nuevo tango which also features the beauty of Hector Del Curto’s bandoneon. Although all of the songs on the recording are excellent, “Divine Love” is certainly the crown jewel of Sur.
Marta Gonzalez’s voicings and harmonic motion on “Vuelvo al Sur” is as organic and fresh as Piazzolla’s original music but now features the prose of Fernando Solanas. Gregoire Moret’s beautiful harmonica solo makes this song memorable because of the texture and colors it adds to Boente’s warm, romantic, piano jazz.
Dario Boente & Projecto Sur. Nardis
Dario Boente & Projecto Sur. Nanda
About Dario Boente
Dario Boente was born in Argentina and raised there before his family moved to Spain. A child prodigy, Dario's musical personality was energized by the music of Astor Piazzolla as he was introduced to tango and Brazilian music. Dario started his Jazz performance studies at Berklee College of Music in Boston, MA, and he continued his classical studies at The Guildhall School of Music in London. He completed his studies at The New School University in New York and earned a degree in composition. (World Music Central.org 2011).
In the early 1990’s, Boente toured the European music circuit with Big Joe Turner as his keyboard player and musical director. He also toured with the Pop band called Imagination, with the Jose el Frances, the Spanish flamenco singer, making dance tracks, and performing at the major Jazz festivals. (World Music Central.org 2011).
In 1999, Dario moved to New York City. Since then, he has released seven albums and compilations as a leader, featuring such well known musicians as Antonio Sanchez on drums, guitarist Ronny Jordan, saxophonist Miguel Zenon, harmonica player Gregoire Maret, and flutist Jorge Pardo, among others. (Dario Boente.com 2011)
You can read more about Dario Boente at his website.
sábado, mayo 14, 2011
Giovanni Allevi - Biografía
http://www.extensionycultura.uva.es/culMusica.asp?Accion=VerCine&IdCine=119
Sus padres están convencidos de que Giovanni debe empezar el camino académico. Estudia piano en el Instituto de Música “G. Spontini” de Ascoli Piceno con la profesora Anna Maria Bucci y con 21 años se diploma en el Conservatorio “F. Morlacchi” de Perugia, obteniendo la calificación más alta posible. Giovanni escribe entonces múltiples composiciones musicales, que guarda celosamente en un cajón, y en Italia empieza una intensa actividad como concertista clásico. Se matricula en la Facultad de Filosofía de la Universidad de Macerata y decide enfrentarse al estudio de la composición en el Conservatorio “G. Rossini” de Fermo. Para la prueba de admisión presenta una Fuga de estilo contrapuntístico, un género musical con el que generalmente se enfrentan los alumnos del séptimo curso, y uno de los examinadores observa irónicamente: “Giovanni Allevi ha copiado la Fuga o es Brahms resucitado”. Entre sus profesores de composición destacan el maestro Daniele Salvatore, gran experto en música antigua y el maestro Tonino Tesei, del cual aprende las bases de la dodecafonía y el rigor de la caligrafía musical. Al mismo tiempo asiste al curso de “Biomúsica y musicoterapia” del profesor Mario Corradini, que le permite profundizar en su idea sobre el poder de la música para sentirse libres y evocar imágenes, emociones y recuerdos.
Ya en 1995 compone músicas para la tragedia “Troiane” de Eurípides y en el Festival Internacional del Drama Antiguo de Siracusa gana el premio especial a las mejores músicas de escenas; es su primer reconocimiento oficial. Durante el mismo año, la Universidad de Pedagogía de Stuttgart le invita a relatar en un seminario sobre la música de nuestros días. En esa ocasión toca por primera vez “Sueño de Bach”, una de sus piezas para piano, donde el lenguaje barroco se mezcla con una rítmica contemporánea. Es la primera señal de una exigencia de renovación. Durante sus conciertos, además de las piezas de Chopin, Bach, Beethoven y Ravel, empieza a tocar sus propias piezas, provocando sorpresa y entusiasmo. Debido al éxito obtenido, a Giovanni le surge la idea de realizar un repertorio constituido enteramente por sus piezas, y grabarlas en un CD.
En 1997, Lorenzo Cherubini, conocido artísticamente como decide publicar en su sello “Soleluna”, el primer disco de Giovanni Allevi para piano solo, titulado “13 DITA” (Soleluna/Universal). Giovanni, solo con su piano y frente a mil personas, abre los conciertos del tour “L’albero” de Jovanotti, en el Palaeur, en el Estadio Olímpico de Roma y en el Forum de Assago (Milán). Demuestra su talento como músico y como excelente compositor de música clásica contemporánea, teniendo, su disco de debut, una gran acogida de la crítica. Así mismo llama la atención de los grandes artistas internacionales, como la japonesa Nanae Mimura, una de las grandes intérpretes contemporáneas de marimba solista. Namae durante un recital en el Carnegie Hall de Nueva York toca algunas de las piezas del primer disco de Allevi, transcritas por ella misma para su instrumento. De esta manera Giovanni empieza a darse en Nueva York como un joven compositor italiano emergente.
En 1998 se gradúa en Filosofía, obteniendo la calificación Cum Laude. “La Física llega hoy a las mismas intuiciones que tuvieron los presocráticos y los orientales: el Universo es un espacio burbujeante de energía del que todos formamos parte...”. Además, hay una fuerte conexión entre su tesis (“El vacío en la Física Contemporánea”) y su composición: “...La estrambótica actitud de las partículas subatómicas en nuestra mente pueden generar ideas, melodías y pensamientos súbitos. Igual que en la Física, caracterizada por lleno y vacío, en la música hay sonido y silencio”. Giovanni, a quien se le conoce también como “el filósofo del piano”, empieza a explorar en sus trabajos filosóficos las misteriosas motivaciones en las que se basa la creación artística. Tras su graduación se traslada a Milán y en 2001 se diploma con la más alta calificación en composición en el Conservatorio “Giuseppe Verdi”, guiado por el maestro Mario Garuti, del que aprende por completo las bases del estructuralismo de Darmstadt y de la experimentación extrema.
En octubre de 2003, Giovanni publica su nuevo álbum para piano solo y lo titula “COMPOSIZIONI” (Soleluna/Edel), que define claramente las características esenciales de su estilo compositivo y la voluntad de recuperar, de una manera nueva, un lenguaje culto y complejo y, al mismo tiempo, emocional e inmediato. Mientras tanto, la audiencia italiana acoge sus conciertos cada vez con más atención y entusiasmo pero, la consagración de su talla en la escena internacional como compositor llega de parte de la Baltimora Opera House (USA), que le encarga la monumental reelaboración de los recitados de la “Carmen” de Bizet, una de las óperas líricas más amadas y conocidas por el público mundial.
En el 2004 Giovanni Allevi debuta en Hong Kong como compositor e interprete, ante un público internacional y, en su primer concierto en el extranjero, en el que ejecuta un programa constituido enteramente por sus piezas, tuvo un éxito inmediato. Se traslada a Nueva York y se dedica a la composición de nuevas piezas que saldrán en su tercer disco para piano solo, “NO CONCEPT”, donde se percibe la influencia cosmopolita y la reafirmación de su pensamiento musical. “NO CONCEPT nació en esas noches, paseando por las aceras de Nueva York con mis zapatillas de deporte, con las “antenas” puestas para captar cualquier sonido y, al mismo tiempo, entre mis dedos bullían todos los años de la academia. NO CONCEPT es el rechazo de ese conceptualismo que niega por completo la creatividad, cuando ésta tiene la vaga y agradable sensación del recuerdo. Su música, instrumental, sin duda se podría llamar música clásica contemporánea, pero en el significado simple de que es música de hoy; la música de un compositor que quiere interpretar su tiempo, igual que todos los compositores han hecho antes que él”.
El álbum “NO CONCEPT” (Bollettino/Ricordi-Sony Bmg) se publica en 2005 en Alemania y Corea convirtiéndose en “disco de oro”. Mientras a Giovanni Allevi se le otorga el titulo de “Bösendorfer Artist”, por la Bösendorfer de Vienna, por sus cualidades de intérprete sensible y por el valor a nivel internacional de su expresión artística. Su primera interpretación fue el 6 de marzo de 2005 con su debut americano en el Blue Note de Nueva York, se agotan las entradas en dos ocasiones, destacando como compositor emergente entre los más representativos de la escena internacional. Apenas baja del escenario del club de Jazz más prestigioso del mundo, la Escuela de Filosofía de Nueva York le invita a realizar un seminario sobre la relación entre Música y Filosofía.
Empieza así el “No Concept Tour” que recorre Estados Unidos, Alemania, Austria y China para llegar por fin a Italia, donde el público empieza a apreciar la música original de Giovanni Allevi y a seguir sus conciertos cada vez con más entusiasmo. Al volver de Shangai, última etapa del tour internacional, Giovanni emprende la composición de su cuarta pieza para piano solo, “Joy”, nacido de un ataque de pánico que lo arrastra a un “exceso de emociones y alegría”.
El disco, con nuevas composiciones inéditas, Giovanni lo realiza por completo “en su cabeza”, y la primera ejecución de las mismas se hace directamente en su estudio de grabación. “Así que he grabado JOY sin haberlo tocado nunca antes, sino en mi mente; en mi opinión el piano tiene que ser una isla no contaminada que hay que, donde la emoción prevalece sobre la técnica, la intensidad del momento supera la experiencia”. En su lenguaje la música se hace intensa y comunicativa, la inmediatez nace de la resolución de la complejidad. En septiembre de 2006 sale a la venta “JOY” (Bollettino/Ricordi-Sony Bmg), conquistando el Top Ten de las listas de ventas superando las 100.000 copias, un éxito que nunca antes había alcanzado en Italia un disco de composiciones originales para piano solo. El público empieza a seguir Giovanni como si fuera una estrella del rock: el “Joy Tour” empieza en la Sala S. Cecilia del Auditorium-Parco della Musica en Roma y se desarrolla en 120 conciertos durante la temporada 2006-2007, no sólo en Italia, también en Paris, Viena, Hamburgo, Budapest, Nueva York, Shangai, Hong Kong, Montreal, Sarajevo, Moscú, Belgrado y Bruselas. En cualquier lugar donde Giovanni actúa, se agotan las entradas de sus conciertos, y el tour registró su mejor resultado con un histórico concierto en la Piazza del Duomo de Milán, ante 50.000 personas.
Giovanni Allevi se convierte en un fenómeno social y pasa a formar parte del imaginario colectivo de las nuevas generaciones: jóvenes y muy jóvenes comentan sobre su música en los blogs, se organizan entre ellos a través de mensajes o en las páginas webs para asistir a sus actuaciones en directo. Mientras tanto, en los conservatorios y concursos de música se estudian y se tocan las partituras de sus piezas, editadas por Carisch. Además, en todas las disciplinas, siguen aumentando las tesinas sobre el artista.
Gracias a Giovanni Allevi, el compositor de “música pura” reconquista un papel socialmente reconocido en su tiempo y, junto al favor, aunque no siempre unánime de la crítica, hay que subrayar el asombroso amor del público que, a través de sus sonidos, vuelve a descubrir la pasión por la música instrumental. Durante el “Joy Tour”, Giovanni compone la suite para orquesta “Angelo Ribelle”, y la pieza para piano y orquesta “300 Anelli”, llamando la atención de la Philarmonische Camerata Berlin, orquesta de cuerda compuesta por los miembros más destacados de la prestigiosa orquesta de los Berliner Philarmoniker.
En diciembre de 2007, junto al ensemble alemán, Giovanni presenta sus composiciones para orquesta en Italia. El disco doble “ALLEVILIVE” y el dvd “JOY tour 2007” capturan la atmósfera de la larga tournée del “Joy Tour”. Giovanni, además de provocar el entusiasmo de su público, recibe, por su labor intelectual en la redefinición de las fronteras de la nueva Música Clásica Contemporánea italiana y europea, la enhorabuena del Presidente de la República Giorgio Napolitano, del Papa Benedicto XVI y de otros exponentes del mundo artístico y cultural, incluso la editorial Rizzoli decide publicar su primera obra titulada “LA MUSICA IN TESTA”. Se trata de una recopilación de reflexiones filosóficas sobre la música, anécdotas y páginas de diario, que cuentan los pasos principales de su vida artística y de la “filosofía de Alevi” y termina con el capítulo “L’Era dell’Emozione” (La Época de la Emoción), auténtico manifiesto artístico. El libro, publicado en marzo de 2008, está en el primer puesto de la lista de ventas durante varias semanas y conquista el título de “best seller” (seis ediciones y 50.000 copias vendidas en los dos primeros meses). El 3 de junio de 2008, Giovanni Allevi fue premiado con el “Wind Music Award” por las ventas (más de 30.000 copias) de su dvd “JOY tour 2007”.
Aunque su agenda esté llena de citas, precisamente durante su monumental tour “Allevilive”, que agota las entradas de todos sus conciertos en la pre-venta, Giovanni sigue dedicándose día y noche a las melodías que “lo vienen a ver, esta vez bajo la forma de orquesta sinfónica”, dando vida a la realización del disco que marca su inevitable evolución musical hacía los sonidos amplios de la gran orquesta.
Nace, de esta manera el disco “EVOLUTION”, grabado en el Teatro Gentile di Fabriano el pasado abril de 2008 junto a la Orquesta Sinfónica “I Virtuosi Italiani” y publicado el 13 de junio de 2008 por Bollettino/Ricordi-Sony BMG, en el que, por primera vez Giovanni Allevi, además de ser compositor y pianista, es director de orquesta.
viernes, junio 06, 2008
Michel Camilo: El mito viviente del jazz-latino
http://www.listindiario.com.do/app/article.aspx?id=61357
El mito viviente del jazz latino, Michel Camilo, se planta en el escenario del auditorio del Conservatorio orensano y ante 300 expectantes músicos, en su mayoría pianistas, espeta: “Lo más importante para tocar bien el piano es respirar”. Camilo viene a Ourense a participar en el Festival Primavera de Jazz que el Café Latino de la ciudad organiza desde hace 15 años.
“Es el único club de España en el que actúo y uno de los tres del mundo en que lo hago”, comenta el músico dominicano con esa pulcritud de pausas caribeñas. “La oxigenación de los músculos es fundamental para lograr un buen sonido: el que no respira bien, no tocará nunca bien”, dice.
La figura del jazz latino viene con frecuencia a Ourense “por amistad con Eduardo” Rodríguez, el promotor del festival y dueño del Café Latino. Y en esta ocasión ofrece una clase magistral en el Conservatorio previa a la actuación de la noche en el café. Su lección es pura técnica.
“Hay que respirar como los líricos, no con los hombros”, adoctrina a los profesionales y se explica: “Cuanto más rápido toco, más lento es mi pulso y así la adrenalina no se apodera del oficio, todo fluye, todo está todo el tiempo relajado”.
Camilo lleva ya una década repartiendo sus clases magistrales por el mundo. Es profesor adjunto de la Academia de Boston y ha hecho recientemente una gira de clases magistrales por España contratado por la Sociedad General de Autores (SGAE).
Y cuando se le pregunta si disfruta más con ello o con los conciertos, responde como un rayo: “Me encantan estas clases porque son un constante aprendizaje: contestar a las preguntas me fuerza a buscar respuestas”.
En Ourense, el músico fue recibido en el escenario con una ovación de calibre. Se plantó con un piano a mano y largó su clase técnica espoleando primero al personal para que se lanzara al juego de las preguntas. “Yo he sentado así mis cimientos: compartiendo historias; cada oportunidad que he tenido he preguntado a los grandes, incluso por la forma de hacer de otros grandes”, se confesó primero.
Y después, una revelación: “Cuando pregunté con qué practicaba Charlie Parker me enteré de que practicaba con Mozart: ¡no se puede negar la tradición!”.
El concepto de la técnica que intentó inculcar al auditorio es fundamental en su formación. Durante cinco años ha practicado diez horas diarias tocando a Chopin, Rachmaninov... “y con intervalos de descanso de 10 minutos cada hora: sólo así se logra la conexión espiritual”. Esta base clásica en su formación forma parte ya de su filosofía de la música.
Pero ayer, el dominicano afincado en Estados Unidos no sólo filosofó; también dio clases prácticas sobre la autonomía de la mano explicando a los asistentes cómo trabajar la posición del arco, “que es en donde está el secreto de un buen pianista”.
Y después de la teoría de la perfecta respiración y del fluir de la música sin el dique de la adrenalina, les aleccionó sobre algo de aparente simpleza: cómo pulsar las teclas.
“No se tocan sólo hacia abajo; también hacia arriba” y apenas las impulsa él hacia afuera, destapa la esencia del sonido que emana del piano como el aroma del café humeante. Después, las pellizca hacia abajo y las notas se estrellan contra sí mismas, en un sonido opaco.
Noel Bazán Zambrana
Nace el dia 8 de Agosto de 1978 en Marbella (Málaga), vive sus cuatro primeros años en Valencia y se traslada con su familia a un pueblecito situado en el corazón de la provincia de Cádiz, San José del Valle.A los seis años de edad recibe sus primeras lecciones de música gracias a la afición de su padre, y poco despues a los ocho años ingresa en el conservatorio de Jerez de la Fra. especializándose en piano. Termina los estudios de música clásica (1986-2000) en el conservatorio Manuel de Falla de Cádiz y comienza a trabajar en diferentes formaciones: Caravan Jazz, T.J.Hudspeth Band, Anabel Azuar Trio.. Cursa a partir del año 2001 master- class en seminarios internacionales de jazz y música latina por todo el territorio nacional (Valencia, Sevilla, Madrid...) con músicos de élite mundial.
A finales del año 2004 se traslada a Madrid donde recibe clases de musica moderna, piano jazz y latino en la escuela superior de música creativa de Madrid, con German Kucich, Tony Heimer, Andy Phillips, Pepe Rivero...y clases particulares con Joshua Edelman y Mariano Diaz.
Ha grabado su primer disco en solitario el 30 de Agosto de 2006, con el título Song for Jobim, canciones versionadas a piano solo del compositor brasileiro Antonio Carlos Jobim, padre de la bossanova.
En octubre del 2007 va a grabar su segundo disco con Caravan Jazz Band, quinteto de jazz formado por musicos profesionales de Jerez de la Frontera.
Discografia noel bazan - pianista y compositor www.noelbazan.com
2006 "Song for Jobim" noel bazan-piano solo
2008 "Standars" Caravan Jazz Band
Rafa Perez-saxo
Nacho Salmeron-guitarra
Noel Bazan-piano y rhodes
Alfonso Fernandez-contrabajo
Fermin Roa-bateria
Próximo proyecto de grabacion de piano flamenco-fusion muy pronto
viernes, abril 25, 2008
martes, enero 22, 2008
La aventura de Pedro Ricardo Miño en Estados Unidos
Información recopilada de Flamenco-World:
http://www.flamenco-world.com/magazine/about/epedroricard.htm
A Pedro Ricardo Miño se le cruzó un ángel. Fue hace ya cuatro años cuando, durante la Bienal de Flamenco de Sevilla de 1998, conoció "a un señor que está muy vinculado con el mundo de la música y las casas de discos en Estados Unidos". Aquello, que en principio no pasó de ser más que una anécdota, "hizo que este año, al finalizar mi actuación en el espectáculo 'Infinitud de Formas', junto a mis padres -el guitarrista Ricardo Miño y la bailaora Pepa Montes-, este señor se presentara en el camerino para entregarme un sobre lleno de billetes de avión". Y así fue cómo se fraguó la gira que ha llevado al joven pianista flamenco a, durante seis meses, recorrer con su toque ciudades como Nueva York, Chicago, Pensilvania, Los Ángeles o San Diego.
Aunque dé "gracias a Dios por haber superado ya la prueba norteamericana, "porque tanto tiempo solo... la verdad es que había momentos de un poco de agobio", considera, sin vacilar, que la experiencia ha sido "mágica". Durante su periplo ha tenido la casi ni soñada oportunidad de conocer a músicos de la talla de Ravi Shankar, Chick Corea, Zakir Hussain o John McLaughlin, "con los que he tocado o intercambiado algunas impresiones que, de cara a un futuro, pueden ser muy interesantes".
Pedro Ricardo Miño y Ravi Shankar
La atracción por las músicas del mundo le viene, igual que el flamenco, de cerca. Pedro Ricardo Miño cuenta que "mi padre ha sido siempre un enamorado de la música hindú". De hecho, "cuando aún era un chaval se quedó sólo en Nueva Delhi, a la vuelta de una gira por Japón". Incluso, durante un tiempo, "estuvo aprendiendo a tocar el sitar". Y reconoce que aquella aventura "hizo que sintiese aún más atracción por aquella música, hasta el punto de meterme también a mí el gusanillo". Y a sacar sus propias conclusiones sobre este cruce: "No creo que hoy haya alguien que todavía ponga en duda el vínculo que existe entre el flamenco y la música indopakistaní".
Pero la fusión, sin confusión. El músico sevillano asegura que "cuando he tocado y me han oído, lo he hecho ciñéndome a lo que yo sé hacer, que no es otra cosa que tocar el piano flamenco". No en vano, asegura que "Ravi Shankar me pedía siempre que le tocara por seguiriyas". Apostilla que "para tocar jazz hay genios de la talla de Chick Corea o Michel Camilo", pues lo suyo es el flamenco. "Debo defender mis raíces, para hacer que el piano flamenco ocupe el lugar que merece dentro del mundo de la música", sentencia.
viernes, enero 18, 2008
Pedro Ricardo Miño ofrecerá un recital de flamenco en Valdepeñas
El Auditorio Municipal de Valdepeñas acogerá el viernes, 18 de enero a partir de las 21:00 horas el Recital Flamenco “El piano flamenco de Pedro Ricardo Miño. Percusión, cante y palmas”, dentro del ciclo “Conocer el Flamenco”. La actuación está patrocinada por la Fundación CajaSol y contará también con la presencia de Manuel Tañé e Ismael Fernández al cante y Juan Ruiz en la percusión.Poco a poco, el piano se va abriendo un hueco en la música flamenca y ya cuenta con representantes más que notables. Entre ellos destaca Pedro Ricardo Miño, seguramente el pianista que mejor ha sabido llevar al piano el flamenco tradicionalmente tocado con la guitarra.
“Piano con duende” es el primer disco de este joven de increíble madurez y gran personalidad como pianista y compositor. Pero este disco es algo más que una obra de juventud. El artista, hijo de la bailaora Pepa Montes y el guitarrista Ricardo Miño, ha estudiado y analizado cada una de sus composiciones para acercarnos al piano flamenco y la música instrumental. Once temas que arrancarán el ‘ole’ de todos. Tanto del público conocedor y exigente como el desprovisto de todo conocimiento del flamenco, no puede evitar emocionarse al escucharle y contagiarle con su ritmo y sus melodías sencillas, flamencas y universales.
domingo, enero 13, 2008
Entrevista a Pedro Ricardo Miño
Información recopilada de Flamenco-World:
http://www.flamenco-world.com/artists/pedroricardomino/emino.htm
"Hay que conocer el flamenco para darle a una partitura sentimiento, carácter, pellizco"
El niño encontró entre sus manos un juguete. El niño, alimentado por flamenco desde mucho antes de nacer, jugaba con música. Y, jugando, jugando, se convirtió en pianista... en pianista flamenco. Del adjetivo no había escapatoria. Pepa Montes, una madre bailaora. Ricardo Miño, un padre guitarrista. Sus maestros. Pedro Ricardo Miño está seguro, a sus poco más de veinte años, que de la senda flamenca no hay escapatoria, pero se niega a cerrar puertas hacia otros mundos. Y salta fronteras a lomos de sus blanquinegras consciente de que a un ser inconformista como él, aún le queda mucho por andar...
Las primeras incursiones del piano de Pedro Ricardo Miño en los escenarios han sido en compañía de la guitarra de su padre. ¿Cómo llegan a entenderse ambos instrumentos?
Son muy diferentes, no tienen nada que ver el uno con el otro, pero hay un enlace muy fuerte... y es que los dos intérpretes somos muy flamencos, entonces, nos entendemos bien. La base es el flamenco, entonces ya puedes tocar un piano o una zambomba...
Pero existen diferencias musicales, son dos formas de sonido flamenco distintas... ¿Dónde está la peculiaridad de cada uno?
Que la guitarra se puede llevar a cualquier sitio y con el piano terminas jorobao... El piano no es un instrumento que pertenezca al flamenco, el piano viene del clásico, lo que pasa es que ahí está la habilidad de uno. A mí es que me gustado el piano desde chico. Y en mi casa lo que ha habido ha sido flamenco. Rock and roll no podía tocar. Aunque soy de formación clásica, yo voy a terminar la carrera de piano ya mismo en el Conservatorio de Sevilla. Fue mi padre quien se empeñó en que yo aprendiese solfeo. Según él, esa era la única manera de aprender a comunicarme con músicos que no fuesen flamencos, porque la música es un lenguaje internacional.
Pedro Ricardo Miño y Chick Corea
Tú mismo lo has dicho, el piano es un instrumento del clásico. Pero, sin embargo, capaz de adaptarse al flamenco.
Son dos músicas con dos tendencias diferentes, con dos maneras de sentir diferentes. Yo quizás comprendo más la flamenca porque soy de Andalucía, de Sevilla y de Triana, a ve si m'entiende. Y aquí hace un sol especial y se come uno una tapa de jamón cada dos por tres, y yo creo que esos son factores que hacen falta para sentir el flamenco, como para sentir el clásico hay que irse a Austria, a Alemania, pasar frío.
Del flamenco era difícil escapar, pero quizás la guitarra estaba más al alcance de tu mano...
Pues a través de mi padre, en mi casa siempre han entrado muchos músicos y me compró un organillo de esos electrónicos, vio que me gustaba y, como no tenía edad para entrar en el conservatorio, pues entré dando clases particulares. Cuando me di cuenta, jugando, jugando, jugando (un largo silencio)... Creo que estoy jugando todavía. Cuando me di cuenta estaba metido en esto.
En un mundo muchas veces cruel de tan purista, ¿has tenido que soportar el comentario de que el piano es un extraño?
No, no me he sentido aludido y el que diga eso será una persona que no conoce bien este mundo. En el piano flamenco ha habido y hay un puñao de grandes genios. Los animo a que compren toda su discografía, la escuchen entera y luego que vengan y que hablemos. Hay autores como Arturo Pavón, que acompañaba a Caracol, José Romero... y el que diga que eso no es flamenco, desde mi punto de vista, apaga y vámonos.
¿Eres tú el que compone tus piezas?
Toda mi obra... todo lo que toco en mis recitales son piezas compuestas por mi sobre estructura musical flamenca, quitando dos temas de homenaje a la guitarra de dos grandes autores, Mario Escuredo y el Niño Ricardo. De ahí la relación. Los pianistas nos tenemos que basar en la guitarra para hacer música flamenca.
Según algunos autores, el flamenco precisa una escritura musical diferente porque hay sonidos que no se pueden llevar a la partitura...
Ni mucho menos. En la música está todo hecho, todo, absolutamente todo, yo creo que igual que en la vida. Lo que pasa es que estamos en las mismas. La música se pude escribir tal como es, pero tú necesitas darle a esa música sentimiento. Si un japonés coge una partitura de un palo de soleá, yo creo que si no ha escuchado en su vida flamenco, lo puede leer, pero va a sonar muy matemático. Habría que conocer el mundo flamenco para darle a esa partitura tu sentimiento y tu carácter, si no, sonaría flamenco pero sin aire, sin pellizco, sin nada.
¿En qué espejos te has mirado?
Mi maestro ha sido mi padre. Por no decir mi casa, porque en mi casa es lo que hay desde por la mañana. (Hace un inciso y recita una copla flamenca:) "Qué amargas son mis comías flamenco por la noche, por la mañana y al mediodía". Desde chiquitito. Y ya te digo, tengo formación clásica porque te tienen que enseñar a mover los dedos, si no tocaría con los dedos así... hay que enrollarse, ¿no? Te abre mucho la mente... Pero mi maestro ha sido mi padre, mi madre y estos grandes genios como Arturo Pavón, José Romero, Felipe Campuzano...
He conocido a algunos, pero al que recuerdo con más cariño es a Pepe Romero. Creo que nunca tuvo el reconocimiento que debería haber tenido, no sólo como pianista, sino también como investigador y escritor. Sin embargo, aún hoy son pocos los que conocen su obra. Y por supuesto, Arturo Pavón. Hablar de ellos es como hablar de Ramón Montoya y el Niño Ricardo en la guitarra. Un chaval que quiere aprender a tocar el piano flamenco, no tiene más remedio que bucear en la obra de estos genios. Pepe Romero ha seguido siempre la trayectoria de la guitarra antigua, mientras que Arturo seguía más la línea del cante, por eso era capaz de crear todo un universo musical con sólo dos notas. Ahí está la base o, por lo menos, esa es mi opinión. Pero me gusta también mucho Chick Corea, que es un monstruo. Estoy muy abierto musicalmente y me gustan todas las tendencias.
Pero, sin embargo, eres muy clásico...
Clásico en el sentido de flamenco puro, ¿no? Y bueno, técnicamente, sí. Bajo mi visión
| "En la variedad está la riqueza del flamenco" | |
¿Y cómo ves tú eso de la fusión?
¿El tirón de Chano Domínguez o Dorantes puede interpretarse como una revitalización del piano flamenco en los últimos años?
| "En España la música no cuaja, aquí lo que vende es la letra" |
Por supuesto. Se está comprobando que hay músicos que están haciendo cosas buenas y a la gente le va gustando mucho. Y es porque el piano flamenco tiene tirón. Y ya es hora, puesto que España es un país en el que la música no cuaja como en otros países. A lo mejor tú te vas a Alemania y to el mudo sabe tocar el violín, todo el mundo sabe tocar el piano, son gente que va a los conciertos... pero en España la música no cuaja. Aquí lo que vende es la letra. Por eso creo que todas estas tendencias nuevas están en beneficio del flamenco, quizás del flamenco puro, no, pero sí del flamenco.
¿Cómo ves el futuro del flamenco?
Pues con mucha ilusión, con la esperanza de que esto rompa de una vez por todas. No me refiero a lo que yo hago. Pero espero que se abra mucho más a todo el mundo. Pero que los que manejan el dinero y el poder se den cuenta de nuestra cultura, de lo importante que es nuestra música, la única que se vende fuera de España. Los flamencos estamos moviendo la cultura de nuestro país y eso no tiene reconocimiento aquí en España.
Y tú, que has mamado flamenco, habrás podido detectar dónde están las luces y dónde las sombras de este mundo...
Desde que te levantas por la mañana estás pensando en él, en los pajaritos del flamenco. Yo personalmente siempre le estoy dando vueltas al mismo tema, me obsesiono. A lo mejor estoy sentado y se me ocurre una melodía... Esa es la satisfacción más grande que puedes tener, a parte de un aplauso del público cuando te reconoce lo que has estado estudiando durante tres meses... esas son las cosas buenas. ¿Las cosas malas? No poder hacer lo que uno quiere.
¿Por qué?
(Se pone muy serio) Circunstancias. Yo es que soy muy inconformista y siempre aspiro a más, tú sabes. Lo importante es hacer lo que uno quiere en la vida.
Recital de piano de Diego Rodríguez
DÍA 12 DE ENERO. 20 HORAS.
TEATRO AUDITORIO MUNICIPAL DE VALDEPEÑAS.
ENTRADA GRATUITA.
Nació en 1978, Diego Rodríguez comienza sus estudios de piano a los 11 años en Valdepeñas, su ciudad natal. A los 17 es admitido en el Conservatorio Superior de Música de Madrid donde obtiene los títulos de Profesor Superior en Piano y Música de Cámara con Almudena Cano y Ana Guijarro con las máximas calificaciones. Durante su estancia en España participa en masterclases con Boris Berman, Peter Bithell y Calyna Egyazarova.En el 2002, es admitido en la Southern Methodist University de Dallas, Texas, para realizar el “Artist Certificate Program” y el “Master” con el pianista de renombre Joaquín Achúcarro y es premiado con la beca Joel Estes Tate de dicha universidad por cuatro años consecutivos.
En el 2003, obtiene el Tercer Premio y Medalla de Bronce de la 53 Edición del Concurso Internacional de piano Wideman celebrado en Sheveport, Louisiane, y el Segundo Premio en la 44 Edición del Concurso Internacional de piano Sorantin en San Antonio, Texas. Es galardonado con el premio Don Nobles como mejor pianista acompañante del año en la Southern Methodist University. Es de destacar el concierto ofrecido para sus Majestades los Reyes de España en la inauguración de la Meadows Museum de Dallas.
En el 2004, gana la Young Artist Concerto Competition en TCU-Cliburn Institute. Ofrece un concierto con una de las más importantes orquestas de Texas, la Forth Worth Symphony recibiendo elogios de la crítica especializada. “Si es tan bueno en una docena de conciertos más, tendremos a un serio candidato a estrella” (Crítico del Star Telegram). Este mismo año, toca para la prestigiosa Phillips Colecction de Washintong D.C..
Diego Rodríguez ha recibido masterclases de numerosas personalidad en el mundo del piano: György Sandor, Andrew Litton, Abbey Simon, Guillermo González, Jorge Federico Osorio, Alfred Mouledous, Alessio Bax, Krassimira Jordan, Jose Fegali, Tamá Ungár, Andre Laplante, Harold Martina, Stanislava Ioudenich, Boris Slutski, Dominique Webwer, Julián Martín y John Perry.
Cursa su cuarto año de doctorado con Marc Durand en l`Université de Montreal, donde ha sido el ganador de la beca Paul-Marcel Gélinas, obteniendo el Primer Premio del Concurso de Concierto del 2005 celebrado en la citada Universidad. La consecución de este premio le permitió interpretar en abril del 2006 el Concierto n. 1 de Brames con l’Orchestre l’Université de Montreal. Ha participado activamente en las dos últimas ediciones del Festival Internacional de Piano de Millenium en Gijón y en el Festival Internacional de Orford, Canadá. Es de destacar que ha sido invitado durante 3 temporadas consecutivas en calidad de solista, a la serie de conciertos “Les Mélodines” en la célebre Place des Arts de Montreal.
miércoles, enero 09, 2008
Darío Boente - Soy del Sur
WWW.DARIOBOENTE.COM
Dario Boente & "projecto sur"
"soy del sur"
Dario Boente Music
ASCAP
Dario Boente, piano
Boris Kaslov, Bass
Mauricio Zottarelli, drums
Daniel Sadownick, percussion
Zorongo
Lugar: Pamplona (NAVARRA)
Estilo: FLAMENCO-JAZZ
WEB: www.grupozorongo.com
Información general:
* Para escuchar los MP3 de ZORONGO: http://www.grupozorongo.com/mp3.htm
* Para contactar con ZORONGO: grupozorongo@gmail.com
* Para saber más: www.grupozorongo.com
viernes, noviembre 09, 2007
Desvaríos - Jorge Pardo y Agustín Carbonell 'El Bola'
¿De quién fue la idea del disco?
Jorge Pardo (JP). Yo creo que ha sido el tiempo.Como sabes, Bola y yo hemos trabajado en muchos proyectos discográficos hace años, tanto en sus discos como en los míos, y tras un paréntesis de unos cuantos años, surge una oferta del sello RTVE para hacer este disco, y esa es la chispa que enciende la mecha.
Hemos tenido una colaboración muy jugosa en la última década y es de lógica pensar que tenemos más carne para asar.
Tu vienes del jazz, eres uno de los promotores del llamado flamenco–jazz.
JP. Para ser del todo exacto, el nombre de flamenco-jazz aparece con Pedro Iturralde.Pero nadie debe de apropiarse del estilo, ser de los primeros es por que ha surgido y ya está.
Todo a raíz de tu colaboración con Paco de Lucía.
JP. Si, eso sí, y con la colaboración con Camarón, en mi adolescencia, fue lo que me puso en el mundo del flamenco, pero yo creo que Paco nunca ha intentado hacer el jazz, creo que eso viene al margen de Paco, viene de ver las posibilidades de la colaboración con otros artistas.
En este disco “Desvaríos” ¿es la guitarra el instrumento que aporta el flamenco de alguna forma?
Bola (B). No es flamenco, pero tampoco es jazz, es un disco creativo desde el punto de vista musical, un disco muy personal, todos los temas son propios, no pertenecen a ningún genero en especial, es nuestra música que en cierta manera, sí puede encajar en lo que se denomina flamenco-jazz
“Me cuesta sintonizarme con otras personas mucho más que con Jorge Pardo”
Incorporáis fusiones al flamenco, como el tema “Albatintin” que llamáis rumba-samba, ritmos brasileños que vienen de tu parte, por tu experiencia con la música brasileña de hace unos años.
B. Es un tema que suena un poco a Brasil, pero la fórmula del tema es jazzístico, no es que sea un tema brasileño, pertenece a las formulas del jazz, es decir, melodías e improvisación.
¿Habéis ido incorporando músicas de todos los estilos con los que os habéis cruzado?
JP. Se ha hablado estas últimas décadas de la fusión, pero creo que es simplemente por que hay más documentación de todo, la fusión ha existido siempre, Falla ya lo hizo, el flamenco en si mismo, la pureza, tiene un significado más de dentro, nosotros hacemos más de lo mismo. Parece que se tienen que contraponer lo nuevo a lo viejo, no son músicas contrapuestas, lo nuevo se añade a lo viejo, la fusión se añade al sentido de la pureza o la tradición.
Los temas son todos vuestros, pero ¿cómo están repartidos?
B. Esta dividido, la mitad cada uno, nosotros tenemos tres discos juntos, discos que los han escuchado mucha gente, y las composiciones vienen enraizadas en dicho encuentro. Venimos sintonizados ya desde muchos años, y tenemos un magnetismo especial, ha sido mucho más fácil. Cuando hemos colaborado juntos el resultado ha gustado mucho, a mí me cuesta sintonizarme con otras personas mucho más que con Jorge Pardo.
Tú tienes dos discos, hace ya bastante tiempo, ¿no?.
Si, el primero fue “Bola”, que fue uno de los primeros discos que salió en el mercado internacional, y el otro, “Vuelo flamenco ”, es del ‘96 y también tuvo buena repercusión.
Y tu Jorge, sería difícil indicarme cuantos discos.
JP. Uff, creo que una docena, es difícil de saberlo.
“En otros países con su cultura son mucho más cuidadosos y aquí somos más Quijotes”
Y si hablamos de discos en los que has colaborado, ya ni estimaciones.
JP. Eso ya si que es imposible saberlo. Me gusta colaborar con unos músicos y con otros, meter la nariz en diferentes estilos musicales, es una cosa que me gusta, además para un músico es una forma de vida, el poder colaborar con gente diferente, significa tener más mercado y poder vivir de esto, que es de lo que más orgulloso me siento.
B. Yo he estado muchos años fuera, en Brasil, y sé que las cosas se ven mejor desde fuera, en un país totalmente nutrido de cultura musical y artística te das cuenta de lo que pasa en España, hay talentos impresionantes, un gran patrimonio musical y no se le da el valor que tiene, en Brasil los músicos tienen voz propia, participan de la política y de muchas cosas. Tenemos que tener voz y poder participar en los grandes festivales de jazz, que los artistas internacionales vienen a tocar y se acercan a nuestra música y nosotros no tengamos cabida. En Brasil, Gilberto Gil es ministro de cultura, no se cuando va a pasar esto aquí, no es que quiera que Jorge sea ministro de Cultura, a lo mejor sí, pero al menos un acercamiento, que el artista no sea parte del paisaje, que nos están imitando desde fuera, todos quieren tocar nuestra música y nosotros lo tenemos en la mano. Alemania y Brasil son las potencias más fuertes del mundo en música y Estados Unidos, ellos necesitan de nuestra música, el flamenco ya pertenece al mundo, la gente se siente flamenco en muchos sitios.
J.P. España es un mercado relativamente pequeño, con grandes aspiraciones, pero potencialmente pequeño, por lo que es difícil exportar con autoridad nuestra cultura. Yo estoy perfecto, vivo de lo que hago, no tengo más pretensiones, no quiero ser ministro de cultura, eso lo dejo para El Bola. Es cierto que en otros países con su cultura son mucho más cuidadosos y aquí somos más Quijotes, nos buscamos la vida. Eso sí, si el Flamenco fuera francés, inglés… tendríamos flamenco hasta en la sopa.
“En España, hay talentos impresionantes, un gran patrimonio musical y no se le da el valor que tiene”
B. El Flamenco es un arte completamente universal, como pasó con el jazz, al principio era americano, pero luego traspasó todas las barreras.
J.P. Pero no puedes comparar, el jazz ha nacido en un país inmensamente rico, donde llega la Coca Cola o el Winston, llega el jazz y en España es todo mucho más limitado.
Tú has luchado mucho en esto de la música, tú último disco lo sacaste personalmente y por Internet.
JP. Tampoco es una lucha… a mí me encanta ser independiente, y para serlo cuesta dinero y mucho trabajo, no quiero ir a una compañía de discos que me indique lo que tengo que hacer, que tengo que grabar o con quién y para no acceder a eso lo tengo que hacer por mi cuenta, pero no es una lucha, simplemente paso de la industria.
Pero ahora, con este disco, vuelves a las discográficas.
JP. Es una alto en el camino, nunca dije que me iba a negar a nada, si recibo ofertas y me interesan, pues eso, yo sigo en lo mío, trabajo por mi cuenta.
No eres el único, hay muchos artistas en esa dirección.
JP. Evidentemente, yo tengo una posición privilegiada, llevo ya muchos años y tengo acceso a un mercado muy amplio.
¿Que son los “Desvaríos”, improvisaciones en los que al final llegan a ser temas musicales?
B. Tiene muchas lecturas, vivimos en épocas de desvaríos, antiguamente todo era perfecto, antes todo funcionaba, ahora no funcionan las cosas igual. Realmente la profundidad del asunto es que no todos los desvaríos son malos, este es un desvarío bueno, para el lado de la creación.
JP. Yo añadiría que los grandes descubrimientos se han producido accidentalmente, Cristóbal Colón, la penicilina, la pólvora,… tantos y tantos, no dejan de ser pequeños desvaríos de la ruta marcada, sale un desvarío que resulta ser la clave y no precisamente en la ruta trazada.
“Un desvarío bueno, para el lado de la creación”
¿Y lo vais a llevar en directo?
JP. Esperemos que sí,
B. Estamos a la búsqueda de un manager, sacarlo más adelante es complicado, somos seis personas, quizás también haya algo de baile, … llevo trabajando en este proyecto desde noviembre y creo que puede salir muy bien, aunque no nos den facilidades.
Estáis además en festivales de jazz y de flamenco, ¿Dónde os llaman más?
JP. Este proyecto está virgen en este aspecto, pero yo personalmente, trabajo en festivales de flamenco y de jazz, pero estoy más a gusto en los flamencos.
¿Quién sois la banda?
B. La banda se formó en Sevilla, y Jorge se añadió a la banda, estuvimos ensayando con la misma, un piano, Sergio Ceballos, Juan Miguel Guzmán el contrabajo, músico formado de jazz, un chaval que toca la percusión, José Gregorio Lobera, violinista de Venezuela que toca lo que le pongas, para cualquier lado, flamenco o jazz, son todos unos músicos fantásticos. Y como cantaor está El Piculabe que hace las colaboraciones.
Sitio oficial | Jorge Pardo
MySpace | El Bola
Arturo Sandoval gana el Grammy Latino
El dominicano Juan Luis Guerra fue el gran triunfador de la noche, con cinco premios.
De la veintena de cubanos nominados en esta octava edición del Grammy Latino, el trompetista Arturo Sandoval resultó el único ganador, según se dio a conocer en una ceremonia efectuada la noche de este jueves en el Mandalay Bay Events Center, en Las Vegas.
Con su disco Rumba Palace (Telarc), Sandoval se impuso en la categoría de Mejor Álbum de Jazz Latino, donde también competían Funk Tango (Paquito Records), de Paquito D'Rivera Quintet; y Keys Of Latin Jazz (J&N Records/ Norte), de Chuchito Valdés, de la saga de los Valdés, hijo y nieto de Chucho y Bebo respectivamente.
El gran triunfador en la entrega de los premios fue el dominicano Juan Luis Guerra, galardonado en las cinco categorías en que estaba nominado, con el tema La llave de mi corazón, que se llevó los premios a mejor canción, grabación del año y canción tropical, y con el disco homónimo, que obtuvo el galardón al mejor álbum de merengue y álbum del año. Además, sus productores recibieron el honor a la mejor ingeniería de grabación.
"Gracias señor Jesús, gracias, la gloria es tuya", dijo Guerra al recibir la cuarta distinción, que compartió con sus colegas nominados y le dedicó a su esposa Nora, "porque es la que hace que yo componga mis canciones", reportó AP.
Al dominicano siguieron los puertorriqueños Ricky Martin y Calle 13, con dos premios cada uno. El primero se impuso en las categorías de mejor álbum pop masculino y mejor vídeo versión larga por su MTV Unplugged. En tanto, el dúo boricua de reggaetón se llevó los galardones de mejor álbum de música urbana, por Residente o Visitante, y mejor canción urbana, por Pal norte.
La octava edición del Latin Grammy comenzó con un espectáculo de Martin, junto al Blue Man Group. Artistas como Pau Donés, de Jarabe de Palo, La Quinta Estación, Elvis Crespo y Willy Chirino comentaron que este fue el mejor espectáculo de la noche.
