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viernes, noviembre 17, 2006

Semana rica en cantidad y variedad de espectáculos en el Festival de Otoño

Otra semana rica en cantidad y variedad de espectáculos. Se inicia con un recital de piano, continua con teatro por partida doble, empieza el Festival de Jazz y acaba con música en sus especialidades de bandas y zarzuela. Un buen panorama. Vamos a verlo algo más despacio.


El lunes, en el Conservatorio Profesional de Música, se estrena en Jaén el pianista italiano Alberto Nosé, último ganador del Premio Internacional de Piano de Santander “Paloma O´Shea” 2005. Es fruto de la colaboración con el Premio Jaén y da oportunidades a estos concertistas de que se les vea y escuche en un amplio ámbito temporal y espacial. Con veintisiete años de edad, tiene un impresionante historial de premios por toda Europa, culminando con el certamen santanderino el año pasado.
De aquí a final de año tiene actuaciones en Irlanda, Estados Unidos (Carneggie Hall de Nueva York, entre otros), México, Italia, Reino Unido, Rumanía, Sala Pleyel de Paris, Perú, Colombia, Alemania y España (seis conciertos). Un buen panorama.
El jueves vuelve a la ciudad el Centro Andaluz de Teatro. La compañía oficial continua con sus intentos por hacer un teatro genuinamente andaluz en más de una faceta, en la actual temporada le ha tocado en suerte a un texto tradicional. Esta vez traen el último estreno de la compañía, que se realizó el verano pasado, en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro. El Centro Andaluz de Teatro quiere revitalizar la figura de Juan de la Cueva, dramaturgo y poeta sevillano de los siglos XVI y XVII, que fue un renovador y anticipador del moderno teatro español que simbolizó Lope de Vega. La obra que viene a Jaén, El Príncipe Tirano, no es una de sus obras más conocidas, y trata un tema muy actual y permanente a un tiempo: la búsqueda del éxito a toda costa.
No hay descanso, afortunadamente, para el escenario del Darymelia. Al día siguiente entra en escena en Jaén la conocidísima Rosa María Sardá. Ya estrenó en tierras de Jaén esta obra hace cerca de un año (Festival de Cazorla). Wit, de la escritora estadounidense Margaret Edson, es una pieza que nos acerca otro tema universal: la muerte, tocado desde una perspectiva literaria, al narrar los últimos días de una profesora de literatura interpretada por la actriz catalana, que muere salpicando sus reflexiones con las ideas de los poemas de John Donne, en los que este autor habló de la muerte.
Curiosa mezcla de los versos de un autor de los siglos XVI-XVII y los avances científicos que intentan salvar vidas sin preguntarse, muchas veces, si es más humano dejar morir en paz al enfermo. Los premios Pulitzer (EEUU) y Max (España) nos hablan de un espectáculo de calidad que con seguridad, no defraudará al público que va a llenar el teatro.
El sábado empieza, en el marco de este Festival de Otoño, el XIII Festival Internacional de Jazz. Dos versiones de esta música muy distintas lo inician. A mediodía se escuchará esta hermosa música en la recoleta y popular Plaza del Pósito con el Jazz en la calle, y por la noche, en la Universidad, toca por segunda vez en Jaén el pianista dominicano Michel Camilo, esta vez con compañía, ya que también estará en el escenario Tomatito, el conocido guitarrista flamenco. Vienen a darnos a conocer su disco conjunto Spain again, continuación del éxito (Spain) de hace seis años.

Sinceramente, espero pasarlo bien con estos músicos, tanto como lo hice la vez anterior con Michel Camilo, uno de los artistas a los que se ve disfrutar en el escenario, y ese disfrute se contagia en los que tienen el placer de verlo y escucharlo. Por otra parte, espero que sea interesante el resultado de la fusión jazz-flamenco, que tiene hondas raíces y múltiples experiencias a sus espaldas.
La semana se cierra con ración doble, como lo hizo la anterior. Espectáculo gratuito para los amantes de las bandas y la música en general. El Encuentro Nacional de Bandas de Música “Emilio Cebrián” tiene como invitada especial a la Unidad de Música de la Guardia Civil, en la tradición española de bandas militares, y, como anfitriona, la Banda Municipal de Música de Jaén. Sería bonito que el Darymelia se llenara para este concierto .
El mismo día 5, ya por la noche, se estrena en Jaén El rey que rabió, de Ruperto Chapí. Esta zarzuela u opereta española, como también se ha llamado muchas veces, pertenece a lo que se ha venido en llamar una honrosa “segunda fila” del género. Con la comicidad acentuada respecto a otras zarzuelas y una música agradable, garantiza un rato agradable, si la compañía tiene la calidad suficiente. A pesar del título, que alude a un tiempo pretérito, las alusiones políticas pueden ser válidas para cualquier época y divertir al público del siglo XXI, como ya lo hizo en el XIX, ya que se estrenó en el Teatro de la Zarzuela, en abril de 1.891.

Anna Maria Jopek - El jazz de una voz cálida y potente

Información Recopilada de NorteCastilla:

En una sala prácticamente repleta, anoche pudimos disfrutar de la cálida y aterciopelada voz de la artista y compositora polaca Anna Maria Jopek, que con su último lanzamiento internacional está consiguiendo superar barreras y presentar su obra en varios festivales europeos.


Alternando composiciones en inglés con temas interpretados en su lengua natal, Anna Maria hizo un recorrido por los temas de sus últimos trabajos discográficos, 'Secret', 'Niebo' (Cielo) y 'Upojenie' (Embriaguez), grabado este último junto al guitarrista Pat Metheny. Una voz rica en matices, capaz de interpretar temas con el solo acompañamiento de un instrumento o canciones muy enérgicas cercanas al pop-rock arropada por una potente banda.

También hubo cabida para la improvisación de la vocalista y para el lucimiento del resto de los músicos, principalmente del guitarrista Marek Napiorkowski, siendo uno de los momentos más emotivos de la noche la introducción a uno de los temas realizada a dúo por la cantante y el bajista Robert Kubiszyn. No faltaron versiones de canciones muy conocidas, como 'We Can Work It Out' de Lennon y McCartney o el más actual 'Don't Speak', de la banda californiana No Doubt.

El público castellano, entre el que había una notable representación de compatriotas polacos, disfrutó del concierto y agradeció el gesto de la artista al hablar en español. Una voz, la de Anna Maria Jopek a tener muy en cuenta en los próximos años.

Guitarrista Jorge Díaz triunfa en La Plata Jazz Festival

Información Recopilada de Emol:

El único representante del jazz chileno, el guitarrista Jorge Díaz, realizó una impecable actuación ante cerca de dos mis espectadores en la octava edición de La Plata Jazz Festival, uno de los más establecidos encuentros del género a nivel latinoamericano.


Díaz, que ha editado el disco Club de Tobi (2004) en formato de quinteto eléctrico, se presentó en escenario argentinos al mando de su banda alternativa, un trío de jazz fusión junto a Hugo Rojas (bajo) y Félix Lecaros (batería).

En palabras de Jorge Díaz, quien además se presenta como guitarrista de Joe Vasconcellos y de Cecilia Echenique, lo que caracterizó esta edición de La Plata Jazz Festival fue “la calidez y entusiasmo del público de La Plata, en su mayoría gente universitaria que nos apoyó mucho ya desde el primer tema y, el ambiente de compañerismo entre músicos de distintos países, continentes e idiomas, con quienes pudimos compartir en muy buena sintonía”.

La octava edición La Plata Jazz Festival contó también entre sus invitados a Move Jazz Quartet (Dinamarca), David Becker Tribune (Estados Unidos), Michael Tracy & Jarmo Savolainen Dúo (Estados Unidos y Finlandia respectivamente) y Michael J. Stevens Trío de Estados Unidos. De los músicos argentinos, destacó la presencia del renombrado músico Pedro Aznar.

El contrabajista Christian Mc Bride actúa en el Auditori de Castelló

Información Recopilada de PanoramaActual:
http://www.panorama-actual.es/noticias/not212862.htm

El Auditori i Palau de Congressos de Castelló acogerá este viernes la segunda entrega de su ciclo "Jazz a Castelló" con la actuación de la banda del contrabajista norteamericano Christian Mc Bride, que tocará acompañado de David Gilmore, guitarra, Geoffrey Keezer, piano, y Terreon Gully, batería. Este es el segundo concierto del ciclo que organiza Castelló Cultural, según fuentes de la Generalitat.


Mc Bride acompañó hace unos meses a Pat Metheny en el concierto inaugural del Festival Internacional de Jazz de Peñíscola. Christian McBride ofrecerá sólo cinco conciertos en España antes de iniciar una gira europea que le llevará a los escenarios más relevantes del jazz internacional.

Christian McBride nació en 1972 en Filadelfia. A los 9 años empezó a tocar el bajo eléctrico, y dos años más tarde se inició con el bajo acústico. En su graduación de 1989 en el Instituto de Filadelfia para las Artes Creativas y Artísticas (C.A.P.A)., concedieron a Christian una beca parcial para asistir a la Escuela mundialmente renombrada Juilliard, en la ciudad de Nueva York, para estudiar con el bajista legendario, Homer Mensch.

Desde principios de 1989, el nativo de Philadelphia ha sido "el primero de la lista" para acompañar literalmente a cientos de artistas de primer nivel, que se extienden en una serie desde McCoy Tyner a Sting, o Katheleen Battle a Diana Krall. Sin embargo, es en sus propias grabaciones en las que revela la totalidad de su maestría musical.

Después de ser aclamado "el Artista de Jazz del año" de 1992 por la revista Rolling Stone, Christian siguió demostrando su calidad como miembro del guitarrista Pat Metheny "Cuarteto Especial" que incluyó al maestro de la batería Billy Higgins y al saxofonista Joshua Redman.

En 2003, Christian grabo un álbum en Warner Bros titulado "Vertical Vision". A través de los años, McBride ha sido parte activa en cientos de álbumes, viajando y/o grabando con artistas como David Sanborn, Chick Corea, Chaka Kan, Sting, Natalie Cole o George Benson, o los desaparecidos Joe Henderson, Betty Carter y Milt Jackson.

Tras la actuación de la banda, el trío de Donato Marot ofrecerá un concierto gratuito en la cafetería del Auditori, según dichas fuentes.

Entre juglares

Por Marian Pidal

Información Recopilada de ElComercioDigital:

http://www.elcomerciodigital.com/prensa/20061117/oviedo/entre-juglares_2...

Pascal Lefeuvre y Thomas Bienabe actuaron el miércoles en el ciclo 'Música del siglo XX', de Cajastur. Lefeuvre, considerado como uno de los zanfonistas de mayor relevancia de la actualidad, es un intérprete virtuoso que desarrolla una interesante y meritoria labor como compositor, arreglista y docente. Para las jóvenes generaciones que se mueven en la órbita de la música tradicional es un maestro poco convencional en el que concurren interesantes contradicciones.


Experimentador incorregible, Lefeuvre ha superado la rigidez y el primitivismo del repertorio medieval para zanfona y sostiene que este instrumento es capaz de adecuarse a las propuestas más dispares. Sus teorías están avaladas por una discografía sorprendentemente heterogénea que reúne piezas arábigo-andaluzas, danzas latinas, canciones brasileñas, bailes franceses, música clásica contemporánea y jazz.

Lefeuvre llegó a Oviedo acompañado por el mandolinista y laudista Thomas Bienabe, un músico técnicamente irreprochable pero poco dado a las demostraciones triviales. Lo mismo puede decirse de Pascal, defensor del concepto por encima de la forma y devoto febril de la libertad y de la improvisación. Convencido de que el jazz será la única música del siglo XX que resistirá el paso del tiempo, decidió abrir la gala con una curiosa versión del tema 'Armando's Rumba', de Chick Corea. El público, sacudido por la adaptación de un tema latin, supuestamente inabordable para la zanfona y la mandolina, se rindió a las rarezas de la noche. Lo insólito fue volviéndose habitual.

El escepticismo dejó paso a la aprobación; el asombro, a la complacencia. La originalidad y la heterodoxia fueron la tónica de un recital innovador y desafiante en el que se escucharon y celebraron calurosamente títulos tan divergentes como 'Palenche', una melodía tradicional de Martinica; 'Mitli Mitlac', de Sami Bordokan; 'Indiférence', un vals parisino de Tony Murena; 'Alfonsina y el mar', de Luna y Ramírez; 'Bolu aussi et Bolu Karsilamani', del propio Lefeuvre, e incluso un arreglo del brasileño Carlinhos Antunes. Músicas para sonreir hechas por juglares urbanos y cosmopolitas.

Dianne Reeves, «Quiero cantar en la Alhambra»

La estadounidense, que actuó anoche en Granada, ganó el Grammy por sus canciones en 'Buenas noches y buena suerte'


Dianne Reeves actúo anoche en Granada y hoy lo hace en el Festival de Jazz de Almería. Son dos de las únicas tres actuaciones que dará en España este otoño, a pesar de que es un país que asegura le «encanta, tanto su cultura como su gente». A sus 50 años la Reeves está en plenas facultades y está obteniendo todo tipo de reconocimientos en su carrera como cantante, dentro de una línea clásica del jazz que la asemeja, para la crítica, con Sarah Vaughan. El último empujón que ha recibido para convertirse en un diva es el Grammy por las canciones que interpreta en la película de George Clooney 'Buenas noches y buena suerte'. Ayer pasó toda la mañana en la Alhambra y asegura que cuando la vio grito 'Dios mío yo quiero cantar aquí'.

-En alguna ocasión usted ha cantado a Peter Gabriel o Leonard Cohen, ¿le atrae el pop? ¿Los nuevos estándares llegan desde el pop?

-Los estándares llegan porque a la cultura popular le gustan ciertas canciones que oye. Muchos de esos temas surgen cuando músicos de jazz cogen canciones populares y del pop para convertirlas en estándares. Es así, porque no es tan frecuente que la cultura popular se fije en un tema de jazz y diga que es un clásico.

-¿Qué le parecen los buenos tiempos que corren para las cantantes de jazz?

-La verdad es que ahora somos más visibles; el jazz es un trabajo donde abundan más las mujeres que los hombres (sonrisas), hay muchas mujeres jóvenes cantando, y también de éxito, pero creo que el rol de cantante femenino de jazz sigue siendo un rol muy duro porque la subcultura del jazz sigue siendo mucho más poderosa que la cultura popular de la música.

-Pero se echan de menos improvisadoras vocales, casi todas se quedan en buenas intérpretes.

-Las cantantes más promocionadas no improvisan, es cierto. Pero no pienso igual, las hay, en todo los instrumentos y también en la voz, lo que sucede es que no siempre son las mujeres más conocidas y populares. Yo considero que la improvisación es parte de la expresión musical, el corazón del jazz sigue siendo la improvisación.

-¿Su música suena mejor en compañía de George Cloney...?

-(Risas). Fue alucinante. Es increíblemente consciente de tantas cosas en el mundo, no sólo de una. Es extremadamente inteligente y entiende perfectamente cómo hacer que las cosas funcionen para ser representadas. Para mí, en cuanto a la pantalla y las canciones, fue una experiencia maravillosa. La otra experiencia maravillosa es que era realmente mono. Era muy fácil de admirar y genial para tenerle alrededor... ¿durante dos días y medio! (Risas).

Charles Aznavour

-Jóvenes y maduros, que también ha cantado con Charles Aznavour...

-(Risas). De hecho fue él el que me invitó a participar en su disco, fue genial. Ni siquiera pensaba que él pudiera saber de mi existencia, y cuando un día me dijeron 'Charles Aznavour quiere trabajar contigo', dije '¿Guau, claro, por supuesto!'.

-Se le elogian los discos, pero sobre todo los directos. ¿Cuál es el secreto?

-Siempre he tenido a mi alrededor muy buenos músicos y si haces una piña con ellos terminas siendo una familia. A la hora de prepararnos, desarrollamos una pacífica, equilibrada y familiar existencia, con mucha confianza. Algo básico para hacer buenos conciertos es estar cómoda y en confianza.

-El año que viene volverá a grabar tras una temporada sin discos de estudio, ¿cómo será?

-Mi último disco con nuevas composiciones fue 'Bridges', hace tres años, en el cual decidí tomar otra dirección musical. Y creo que probablemente cogeré aquel punto como punto de partida para otro camino. Habrá mucha tradición en ese disco, pero no haré algo como lo que he hecho en el pasado, no quiero repetirme.

-Pero siempre en la senda de la Vaughan.

-Claro, ella fue la que abrió un mundo lleno de posibilidades. En lo que más me influyó fue en cómo usar mi instrumento. Mi intención ha sido siempre la de buscar mi propia verdad, artística y personal y ella fue la que me abrió la puerta, la que me hizo ver y decir: 'Así, así'.

miércoles, noviembre 15, 2006

El cubano Raúl Paz actuará mañana por primera vez en España dentro del XXIII Festival Jazz de Madrid

El músico cubano Raúl Paz actuará mañana por primera vez en España dentro del XXIII Festival Jazz de Madrid, con un espectáculo que contará con artistas invitados como Antonio Carmona, Carmen París, Pasión Vega, La Barbería y Habana Abierta. Como explicó hoy Javier Estrella, director del festival, en el ecuador de la muestra musical, más de 10.500 espectadores han asistido a los conciertos programados en diferentes salas. Por esta cita, que concluirá el próximo día 24, ya han pasado figuras como Chano Domínguez o Antony & The Johnsons.



Raúl Paz & The New Jazz Cubacombo actuará mañana en el Centro Cultural de la Villa, 'una gran fiesta musical' en la que demostrará que el mestizaje y la fusión también son posibles en un género como el jazz. Una noche de 'amistad, encuentros y energía', como destacó hoy el músico cubano.

Marc Copland Quartet con Tim Hagans participarán en el Festival de Jazz de Madrid con un concierto en el Centro Cultural Nicolás Salmerón, el próximo día 16. Marc Copland comenzó su carrera en el mundo del jazz como saxofonista, si bien ahora destaca como uno de los más importantes pianistas del jazz internacional. De sus recientes colaboraciones con el trompetista Tim Hagan destaca el disco 'Beautiful Lily'.

También estarán en el festival el quinteto del batería Carlos Carli y el Joe Lovano Nonet (viernes 17). El uruguayo Carlos Carli visita el Festival de Jazz de Madrid, en formación de quinteto, para presentar 'Encuentros', un proyecto musical que toma el jazz como punto de partida para fusionar los sonidos de Uruguay, Argentina, Venezuela y España.

El saxofonista Joe Lovano presenta en el Festival de Jazz de Madrid un disco recién editado, 'Streams of expresión'. Uno de los músicos más reconocidos y galardonados del jazz actual, Lovano ha colaborado con grandes figuras del jazz como John Scofield, Dave Holland y Al Foster, junto a los que editó el disco 'Oh! By Scolohofo'.

Dentro del programa principal del festival, el Café Central acogerá hasta el próximo 26 de noviembre los conciertos de Overproof & Xiomara, que ofrecerán las últimas propuestas del jazz cubano. Overproof es un trío integrado por Octavio Kotán (guitarra eléctrica), Rubén Rodríguez (bajo eléctrico) y Robby Ameen (batería). En esta ocasión estarán acompañados por la cantante Xiomara, que reúne en su voz lo esencial de la tradición musical cubana.

CLAUSURA

Estrella aprovechó para adelantar las futuras citas que el festival acogerá hasta su clausura el próximo 24 de noviembre. Entre ellas los conciertos de Doris Cales y Dianne Reeves (18 de noviembre), D'3: Jorge Pardo, F.Pose, J.Vázquez Roper, y Madeleine Peyroux (19 de noviembre), Laïka Fatien y Herbie Hancock (21 de noviembre), Chastang Quartet con Al Foster (23 de noviembre) y Ernán López Nussa Trío (24 de noviembre). Todos ellos tendrán lugar en la sede principal del festival, el Centro Cultural de la Villa.

También dentro de esta sede el Festival de Jazz de Madrid no olvidará su compromiso con las causas sociales con el concierto que el próximo 19 de noviembre se ofrecerá a favor de Aldeas Infantiles y en el que participarán Soniquete de Jerez, Halcón de Vandals y Lil Quest, de Fusion Rockers.

Washington expone fotografías sobre flamenco de Carlos Saura

El Museo de la Universidad Americana de Washington albergará entre hoy y el próximo 21 de enero una muestra de 95 fotografías en blanco y negro que el cineasta español Carlos Saura realizó entre 1950 y 2000 sobre el mundo del flamenco.


El flamenco, una de las grandes pasiones de Saura, aparece reflejado en las imágenes a través de artistas españoles como Paco de Lucía, Cristina Hoyos, Antonio Gades, Belén Maya, Lola Flores, Manolo Sanlúcar, Manuela Carrasco o Camarón de la Isla, entre otros.

Las imágenes expuestas están recogidas en un libro con textos del propio Saura.

En relación con la fallecida Lola Flores, por ejemplo, Saura indica que 'pocas veces una artista' le conmovió tanto como ella, pues 'había en sus movimientos una sabiduría de siglos y la magia de los pueblos que hacen suyos ritmos que se perpetúan a través de los grandes artistas'.

'Me he preguntado muchas veces cómo se puede llegar a esa economía de movimientos, a esa perfección y a esa armonía. A veces el milagro se produce', explica Saura.

Los primeros pasos de Saura como fotógrafo se remontan a cuando tenía quince años y dos años después empezó a hacer fotografías de manera más o menos profesional, que posteriormente expuso en Madrid y Cuenca.

Más tarde trabajó como reportero fotográfico cubriendo los festivales de música y danza de Granada y Santander.

Saura ha recordado en numerosas ocasiones que en el año 1959 le llegó una propuesta para integrarse en la prestigiosa revista Paris Match, pero decidió decantarse por el cine y ese año preparó la película 'Los golfos'.

martes, noviembre 14, 2006

Michel Camilo y Tomatito vuelven al Festival de Jazz de Barcelona, cuna de su proyecto musical 'Spain'

El pianista Michel Camilo y el guitarrista Tomatito regresan este jueves al Festival Internacional de Jazz de Barcelona, cuna de su celebrado proyecto musical 'Spain', para presentar su continuación, 'Spain again', en el que flamenco y jazz se vuelven a dar la mano.

Camilo y Tomatito mostraron hoy en Barcelona su 'ilusión' y 'cariño' por volver a tocar donde empezó el proyecto, en un concierto que tendrá lugar en L'Auditori nueve años después de su primera actuación conjunta en el Festival de Jazz y que supuso el embrión que tiempo después cristalizó en 'Spain'.

Tras su exitoso paso por el Festival Grec de Barcelona el pasado verano, Camilo y Tomatito vuelven a la capital catalana --'una ciudad especial'-- en el marco de una gira de una cuarentena de conciertos que les lleva por todo el mundo hasta febrero.

El guitarrista explicó que en el concierto tocarán temas de 'Spain again', pero también rescatarán temas de su trabajo conjunto anterior. Tomatito aseguró que 'lo pasamos bomba' y 'nos sorprendemos mutuamente' en el escenario y eso explica el hecho que quieran girar constantemente juntos porque 'para sufrir, me quedaría en mi casa'.

El disco 'Spain again' incluye, además de composiciones originales, un homenaje a Astor Piazzolla, standards de jazz y una colaboración con el famoso cantante y compositor Juan Luis Guerra. El pianista dijo que el disco 'ha crecido' con el directo y ahora tienen cabida todo tipo de improvisaciones.

Tomatito quiso dejar claro que eso no quiere decir que él sea 'un guitarrista de jazz y Michel Camilo un pianista flamenco, nos movemos a medio camino'. Es por ello, según Michel Camilo, que decidieron homenajear a Piazzolla porque es un 'puente entre lo clásico y lo popular'.

El concierto en L'Auditori de Barcelona irá precedido una hora antes de un coloquio entre los dos músicos y el público asistente, para una actuación que quieren que sea 'tan memorable' como la de hace nueve años.

Tomatito tiene previsto recoger en un álbum la gira que llevó a cabo hace dos años con orquesta y un nuevo disco flamenco, mientras que Camilo publicará en abril 'Spirit of the moment', un nuevo álbum en el que regresa al trío.

GRAMMY LATINO CON LA OBC.

Michel Camilo aprovechó también su visita a Barcelona para celebrar la concesión de un Grammy Latino por su grabación junto a la Orquestra de Barcelona i Nacional de Catalunya (OBC) del 'Rhapsody in blue' de George Gershwin.

El pianista aseguró que Barcelona se ha convertido en la 'cuna de mis sueños' y dijo que en el álbum se ha podido reflejar su química con la orquesta y el director Ernest Martínez Izquierdo. El propio director recordó que durante la grabación del disco, 'el brujo' Camilo ya pronosticó el Grammy.

Camilo volverá en marzo a interpretar junto a la OBC el 'Rhapsody in blue' en el marco de la temporada de la orquesta, un concierto que dijo desear que llegue, 'tengo la boca echa agua'.

Habrá segunda parte de "Lágrimas Negras"

Información Recopilada de EsFlamenco:

El cantaor madrileño Diego El Cigala ha anunciado que para marzo o abril de 2007 sacará a la venta la segunda parte de su exitoso álbum "Lágrimas Negras". En él volverá a fundir boleros y tangos con flamenco de la mano de músicos cubanos.

Durante el inicio de una corta gira por Colombia, tras su paso por México y Costa Rica, El Cigala ha afirmado que ya se encuentra trabajando en la elección de las canciones para su próximo disco. Sin embargo, no ha querido revelar más detalles sobre el contenido de su nueva producción, aunque ha expresado su devoción por canciones como "Dos Gardenias" y "Ojos Verdes".

"Lo único que quiero es que sea una continuación del primer Lágrimas Negras, como si en su día se hubiesen grabado los dos", ha comentado. "Se está haciendo con músicos cubanos, con músicos grandiosos, pero eso lo veréis si Dios quiere en marzo o abril, que es cuando espero tenerlo por la calle", ha señalado el cantaor.

"Lágrimas Negras", grabado en tres días junto con el célebre pianista cubano Bebo Valdés, ha vendido casi un millón de copias desde que fue editado en 2003. Este trabajo, todo un hito de la fusión latino-flamenca, fue el que catapultó a la fama a El Cigala, que acaba de ganar un Grammy Latino por su último trabajo "Picasso en mis ojos".

Camilo y Tomatito regresan a Barcelona tras éxito último Grec

El pianista dominicano de jazz Michel Camilo y el guitarrista Tomatito regresan a los escenarios de la capital catalana con un concierto el próximo día 16 en el Auditorio dentro del Festival Internacional de Jazz de Barcelona, después del éxito obtenido en julio en el Teatro Grec.

Los propios interesados ya habían anunciado el pasado mes de julio su intención de volver al Festival de Jazz, por que 'Spain again', su actual trabajo, es la continuación de un proyecto, 'Spain', que nació precisamente en un encuentro estimulado por el propio festival en 1997.

Michel Camilo ha declarado hoy en conferencia de prensa que con este concierto vuelven 'a la cuna que nos vio nacer' y ha confesado que accedieron a este segundo encuentro 'porque en 1997, el Festival de Jazz se arriesgó a juntarnos y ahora es como volver a casa'.

Desde Carlos Gardel a las obras propias pasando por Astor Piazzolla, Camilo y Tomatito han demostrado en 'Spain again' que su proyecto no se acababa con el inicial 'Spain'.

Musicalmente, Camilo y Tomatito proceden de dos mundos muy diferentes: Camilo creció en la República Dominicana, pero ha vivido en y alrededor de Nueva York desde 1979, cuenta con una formación clásica y es un pianista de jazz acústico que bebe en fuentes como Chick Corea, Keith Jarrett, Oscar Peterson, Bill Evans o Art Tatum; y Tomatito, sin embargo, vive en su España natal, donde nació en una familia de gitanos y donde es reconocido como uno de los más grandes guitarristas flamencos.

Pero, por diferentes que sean sus orígenes, Camilo y Tomatito tienen también mucho en común, como han puesto hoy de manifiesto en su encuentro con la prensa: Camilo ama el flamenco y Tomatito es un gran entusiasta del jazz.

Ambos valoran diversos tipos de música latina: el trabajo de Camilo, de hecho, ha puesto de relieve su amor por la música afrocaribeña, así como el flamenco español, la salsa afrocubana, el merengue dominicano, la samba brasileña y el tango argentino.

Camilo, que ha anunciado que en el concierto del Auditorio, recuperarán algunos de los temas incluidos en 'Spain', ha asegurado: 'nos divertimos mucho en el escenario y todavía no nos dejamos de sorprender el uno al otro'.

Para Tomatito, tocar juntos 'no es motivo de sufrimiento, porque, aunque no sean unos conciertos fáciles, nos divertimos mucho y nos lo pasamos bomba'.

Ambos intérpretes han dejado abierta la posibilidad de una futura colaboración con la Orquesta Sinfónica de Barcelona (OBC) para interpretar un concierto de piano y guitarra.

Un gaditano que mezcla el flamenco con la música jazz

Chano Domínguez llega al Festival de Jazz con su New Flamenco Sound (nuevo sonido flamenco)

En su fusión una guitarra eléctrica, teclados electrónicos, jazz y flamenco. El gaditano ofrecerá una nueva exhibición de su fusión de estilos acompañado por un elenco de nueve músicos que incluyen bailaor y cantaor flamenco. Chano Domínguez es el primer artista español que firma por el histórico sello Verve, un referente en el mundo del jazz .

* Sala Multiusos Auditorio. 21.00 h. Entrada, 25 euros, y abono, 100, en cajeros Ibercaja.

lunes, noviembre 13, 2006

La Plata Jazz Festival 2006

Información Recopilada de Cancionero:
http://www.cancionero.com.ar/noticias/noticia.asp?t=la_plata_jazz_f...


Nuevamente el prestigioso festival internacional de jazz de la Argentina La Plata Jazz Festival desembarca en Buenos Aires y elige el ND/Ateneo para que los amantes del género puedan disfrutar de algunas de las visitas internacionales que vienen a mostrar su música a la Argentina.

Move Jazz Quartet (Dinamarca), David Becker Tribune (Estados Unidos), Michael Tracy & Jarmo Savolainen Dúo, (Estados Unidos y Finlandia respectivamente) y Michael J. Stevens Trío de Estados Unidos serán los artistas que se presentarán el 15 de noviembre en el escenario porteño.

Move Jazz Quartet de Jonas Johansen -baterista de Henning Ørsted Pedersen- es sin duda el cuarteto más representativo de la elite del jazz danés. Formado por Fredrik Lundin (Saxo), Ben Besiakov (Piano), Anders Christensen (Bajo) y Jonas Johansen (Batería), han tocado en muchos álbumes grandiosos y han actuado con muchas estrellas del jazz, entre ellas Paul Bley, Bob Brookmeyer, Palle Danielsson, Chano Domínguez, Eliane Elías, George Garzone, Johnny Griffin, Tom Harrell, Billy Hart, Mark Johnson, Steve Swallow, Doug Raney, Kart Rosenwinkel y McCoy Tyner.

David Becker Tribune, formado por David Becker (Guitarra), Derek Frank (Bajo) y Bruce Becker (Batería).

Durante los últimos 15 años el guitarrista, compositor y productor, David Becker ha dirigido exitosamente el David Becker Tribune ante una audiencia mundial formada por publico de más de 15 países.

El DBT fue nombrado uno de los 10 mejores grupos de música del mundo por la Asociación de Prensa Rusa y “Grupo del Año” (`93-94) por el Moscow Times. El columnista de la T.V. Alemana Roger Williemsen (ZDF) se refirio a David como “Uno de los mejores guitarristas de Jazz (contemporáneo) de todos los tiempos.” Jazz Podium lo llamó “un poeta de la Guitarra Jazz.”

Michael Tracy y Jarmo Savolainen Duo: Tracy fue solista de Ella Fitzgerald, Buddy Rich, J.J. Johnson, Johnny Mathis, Marvin Hamlish, los Four Tops y los Temptations. También trabajó con los famosos artistas de jazz Jamey Aebersold, David Liebman, Rufus Reid, David Baker, Bobby Shew, Jerry Coker, Dan Haerle y Pat La Barbera para conciertos y clubes de Jazz de todo el mundo.
Jarmo Savolainen es uno de los pianistas y tecladistas más selectos de la elite del jazz de Finlandia. Compositor versátil que ha escrito temas del jazz para varias formaciones, desde solo piano hasta Big Band, también ha compuesto música para grupos de danza, programas de TV y cine. Su estilo tiende a la tradición modernista, coloreado por una sensación distintiva hacia los matices y un acercamiento intelectual que esté lejos de ser académico y seco. Como tecladista Jarmo es uno de los músicos mas buscados de Finlandia ya que toca desde rock a música moderna. Su gran actividad ha hecho de él magnífico profesional, y en sus trabajos se siente un sentido altamente sofisticado de la armonía y análisis que convive con el instinto del músico nato.

Michael J. Stevens Trío: Durante los últimos treinta años el pianista y compositor Michael J. Stevens se ha asociado a algunas de las figuras más importantes del jazz moderno. Ya desde el lanzamiento de su primer CD en 1991 como miembro del grupo de Mark Whitecage Liquid Time Group, Stevens ha estado a la vanguardia en la escena de la música improvisada de Nueva York.

Los más de 46 CD´S y más de 300 trabajos compuestos para diferentes formaciones, incluyendo Big Band, música para cantantes, para instrumentos solistas y varias composiciones para pequeños grupos, dejan a Stevens como un compositor nato.

Entre los artistas nacionales se destacan Pedro Aznar, Gilelspi, Guillermo Vadalá Trío, Jorgelina Alemán, Escalandrum, Alejandro Herrera Quinteto, Taveira-Carmona-Cavalli, Américo Belotto Cuarteto, Claudio Arbañil, Clase Única, Daniel Corzo, Lapo Gessaghi Cuarteto, Mario Herrerías Quinteto, Jazzoil, Jorge Torrecillas Cuarteto, Trieto, Mingo Martino, Martín López Camelo Trío, Cordal Swing, Azar Par, Ensamble Emu All Star.

Paralelamente al Festival se desarrollará el 1er. Seminario Internacional La Plata Jazz Festival en EMU Educación Musical, responsable de la organización.

El sábado 11 habrá una mesa debate sobre “Pasado y presente del Jazz en la Argentina” a cargo de los periodistas Sergio Pujol, César Pradines y Pablo Gianera.

El día 15 de Noviembre varios de los artistas internacionales que participan del Festival actuarán en el ND/Ateneo.

La Plata Jazz Festival
Plaza Moreno, Ciudad de La Plata
Pcia. de Buenos Aires

Viernes 10, 11 y 12 de noviembre
Entrada libre y gratuita

Salón Dorado de la Municipalidad de La Plata
Calle 12 entre 51 y 53
La Plata - Pcia. de Buenos Aires

Sábado 11 de noviembre, 11:00 hs.
Entrada libre y gratuita

1er. Seminario Internacional La Plata Jazz Festival
EMU, Ciudad de La Plata
Pcia. de Buenos Aires

13 al 17 de noviembre. Actividad arancelada

El Primer Seminario Internacional La Plata Jazz Festival que organiza Emu Educacion Musical es sin duda una oportunidad única para acceder en la Argentina a un completo seminario de jazz, especialmente pensado para aquellos músicos que se encuentren en la búsqueda de información de primera calidad brindada por un grupo de profesores provenientes de las más importantes universidades y departamentos de jazz del mundo como parte de los convenios educativos internacionales que Emu tiene a través del IASJ (Asociación Internacional de escuelas de Jazz) del que es integrante exclusivo en la Argentina.

Este Primer Seminario Internacional La Plata Jazz Festival tendrá lugar luego del fin de semana de conciertos de la 8ª edición del Festival que se llevará a cabo entre el 10 y el 12 de noviembre próximo en Plaza Moreno de la ciudad de La Plata.

Desde el lunes 13 al viernes 17 de noviembre de 10:00 a 13:00 hs. y de 15:00 a 18:00 hs. se desarrollará el Seminario en las instalaciones de Emu (calle 2 Nº 664 de la Ciudad de La Plata).

30 horas de clases de Jazz Composición, Jazz Repertorio, Jazz Improvisación, Free Improvisation, Blues Work e instrumento impartidas por los renombrados músicos: Michael Tracy (Saxo y materias teóricas), Jarmo Savolainen (Piano), Michael J. Stevens (Materias teóricas), David Becker (Guitarra), Bruce Becker (Batería), Derek Frank (Bajo).

El costo es de U$S 150 (ciento cincuenta dólares) por el seminario completo.

Inscripción on line: http://www.emueducacionmusical.com.ar/formulario.htm

Teatro ND Ateneo
Paraguay 918
Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Miércoles 15 de noviembre, 20:30 hs.
Localidades desde $30

Michel Camilo y Tomatito ponen en pie al Jovellanos

Por Alberto Piquero:

Información Recopilada de ElComercioDigital:

http://www.elcomerciodigital.com/prensa/20061113/portada/michel-cam...

Tomatito y Michel Camilo pusieron un broche de oro al Festival de Gijón, convirtiendo la guitarra en piano y el teclado en trastes y acordes llenos de hondura

Ha contado el excelentísimo pianista dominicano, Michel Camilo, que mientras su madre le llevaba en el vientre, escuchaba música de Mozart. La historia es anterior al Bach caribeño de Emilio Aragón. Pero nos explica las mismas cosas. Que definitivamente las claves de sol se ramifican por doquier y que tampoco hay fronteras entre los clásicos y los modernos. Ni entre el jazz y el flamenco, que fue la excepcional velada que ayer clausuró el Festival de Jazz de Gijón, con Michel Camilo y Tomatito, el guitarrista que acompañó a Camarón durante 18 años.

El caso de Tomatito, José Fernández Torres, nacido en Almería en 1958 y con la casta de quien es hijo y nieto de músicos a los que se identificó como 'El Tomate', también tiene tela. A los diez años ya se había presentado en la Peña El Taranto y bordaba las composiciones de Paco de Lucía.

Así que, de algún modo, el encuentro entre ambos músicos, que arranca en 1997 y en 2000 produjo el disco, 'Spain', estaba cantado, si me permiten ponerle letra al destino. 'Spain' estuvo en la base de su recital de ayer, a la que sumaron su última producción.

Al lado de Tomatito, el piano de Michel Camilo suena igual de poderoso que en 'Calle 54' con su trío, donde lo recogió Fernando Trueba. Y es completamente distinto. Milagros del arte, que alguna vez el dominicano adjudicó a su afinadora, Bárbara Renner, pero que más allá de la humildad, adquieren esta policromía esplendorosa en unas manos que no leen los pentagramas, sino que los sienten y los hacen suyos.

Con Tomatito sucede algo de lo mismo. Cuando falleció Camarón, nadie quería cantar con él a la sombra del mito desaparecido, salvo Enrique Morente y dos o tres más. Y continúa desalambrando el cordaje con idéntica 'jondura' a la que lo hacía junto a José Monge Cruz, al tiempo que lo renueva y le otorga la vida fresca del encuentro con el teclado jazzístico.

A estas armonías las llamamos fusión. Michel Camilo prefiere denominarlas mestizaje, al que se asoman por igual Chopin, el cubano Ernesto Lecuona o la raza gitana que les impregna a ambos sin que distingamos los costados. «¿Qué arte!», se gritó desde las gradas altas, aunque también es verdad que había muchos más payos que gitanos.

Ovación como saludo

Que se les esperaba con gran expectación, lo demostró la ovación que les recibió antes de que sonaran los primeros acordes. Inmediatamente, Michel Camilo se arrancó por palmas y los dos instrumentos se pusieron a dialogar, duplicando las notas o alternándose en la ejecución.

Un deleite, que hacía cerrar los ojos a Tomatito cuando escuchaba el teclado del autor de 'Why not!', y que a la viceversa ponía una sonrisa respladeciente en el rostro de Michel Camilo al disfrutar de los alambiques en los trastes de José.

Nadie podría decir cuál de los dos es más grande, ni eso es lo que importó al público del Jovellanos que anoche cubrió el patio de butacas y las gradas superiores. El piano se hizo guitarra; el ragtime, flamenco, y la emoción embargó a todos. Hubo más jazz. Fue en el Parque del Piles, con la Wagon Cooking Electric Band.

«El flamenco necesita difusión y que no sea una pieza de museo»

Por M. Pérez:

Información Recopilada de Hoy:

http://www.hoy.es/prensa/20061113/sociedad/flame...

MARÍA PAGÉS BAILAORA Y COREÓGRAFA «El flamenco necesita difusión y que no sea una pieza de museo»

Sevillana, Premio Nacional de la Danza en 2002, María Pagés representa el paradigma del flamenco actual en sus vertientes artística y empresarial. Culturalmente, ha demostrado que el duende es mujer. Como empresaria, dirige su cuadro desde 1990 y fue la primera en establecer el modelo de compañía residente en España. Pagés acaba de concluir la gira mexicana de su espectáculo 'Canciones antes de una guerra', que ha hecho escala en el prestigioso Festival Cervantino. Éxito total. En Honduras ofreció dos actuaciones «románticas», gratuitas para quienes no podían abonar la entrada. «Si tengo mucho, es obligado dar», dice. Eso es pellizco.

-¿Cómo se hace entender el flamenco a 10.000 kilómetros de Andalucía?

-Bien. Es un arte muy directo. La gente nos esperaba con muchas ganas. En México abundan las compañías y academias de flamenco.

-De Singapur a Nueva York y Tel Aviv, es una de las bailaoras más internacionales de España. ¿Aprecia un aumento del interés por el flamenco?

-El interés siempre ha existido. Con Gades salíamos mucho al extranjero y teníamos un éxito brutal. Eso en el caso de la danza, pero también en la música, sólo que éste igual se ha acrecentado con los Grammy latinos. Sí tengo la impresión de que el interés ha aumentado en España.

-En diciembre estrenará 'Sevilla' en La Maestranza.

-Aquel teatro es como estar en casa. De hecho, en 'Sevilla' muestro mi visión sobre la ciudad, que es la madre de mis aventuras dentro y fuera del escenario. Es la visión de una persona que ha permanecido mucho tiempo fuera y siente la necesidad de regresar y volver a ese equilibrio que da el hogar.

-¿No incluirá el nuevo Estatuto de Andalucía?

-Bueno, yo creo que todos los que nos dedicamos al flamenco nos dedicamos también a protegerlo. Es importante investigar el clásico y evolucionar a partir de él. Me gusta que eso se escriba porque las cosas hay que escribirlas para que queden plasmadas. El flamenco necesita que se informe sobre él y que la gente lo conozca, pero también experimentar y que siga siendo un arte reflejo de su época. Que sea patrimonio andaluz reconocido como tal ya está bien. Y que no sea una pieza de museo porque no lo es.

-Mover a una compañía de 30 personas será costoso.

-Vas consiguiendo ayudas, que no hay muchas, y el circuito privado apoya poco. Nos mantenemos gracias a nuestro propio trabajo. Somos compañía residente en un teatro de Torrelodones, donde ensayamos y tenemos la sede a cambio de representar y hacer otras actividades. La Comunidad de Madrid ha abierto otras cuatro iguales. Es una manera de que las compañías privadas tengan un espacio y estabilidad.

-¿Que se siente en el escenario?

-La danza requiere una dedicación total porque tu instrumento de trabajo es el cuerpo y la mente. Pero lo veo como un placer. Y en el escenario sólo siento una cosa: libertad.

domingo, noviembre 12, 2006

Scott Henderson, Clase Magistral

Por Julio Rodríguez y Santiago Giordano

Información Recopilada de Cordoba:

http://www.cordoba.net/notas.asp?idcanal=43&id=47873

Scott Henderson es uno de los grandes guitarristas de la actualidad. Simplemente porque en su estilo convergen las líneas maestras del vertiginoso desarrollo de la guitarra en los últimos 60 años. Por un lado la energía del rock, por el otro la profundidad del jazz y en una tercera línea todo lo que esté sonando por ahí.

La receta no es nueva, pero en Henderson se potencia a través de gusto por la improvisación y solidez interpretativa al servicio de un sonido personal. Sus trabajos con Joe Zawinul y la “militancia” en Tribal Tech junto al bajista Gary Willys, además de muchos de sus discos solista, son imprescindibles a la hora de contar la historia de la fusión en los últimos años.

El viernes a las 21.30, en el Teatro Municipal Comedia (Rivadavia 254), el guitarrista norteamericano se presentará con Alan Hertz (batería) y John Humphrey (bajo), en lo que será su único concierto en Córdoba. Las entradas están en venta en las boleterías del teatro y los precios son los siguientes: plateas $ 55 y $ 50, primer nivel $ 45 y segundo nivel $ 35.

–Tu estilo está basado en una mezcla de jazz, funk, bop, rock ¿En qué proporciones está cada uno? ¿hay más rock que jazz?
–No realmente, sólo escribo canciones y como salen, salen. Ni siquiera pienso en el tipo de música que quiero tocar. Creo que está toda esa música porque he tocado mucho jazz, rock y blues en mi carrera y, a esta altura, están mezclados en mi cabeza, ni idea en qué proporción.

–El término fusión se ha extendido en los últimos años, ¿qué pensás de la fusión hoy en día?
–Creo que mucho de lo que hoy se llama fusión es comercial, lo que uno escucha en la radio: música pop. Eso no tiene nada de malo, es música para todo el mundo. Pero lo que yo hago se relaciona con la fusión, entendida de acuerdo a cuando recién llegaba, en los años 70, una combinación de rock y blues, mezclado con jazz. Algo más ecléctico y no tan comercial. La gente hoy relaciona a la fusión con el jazz comerical y fácil de digerir, pero en los 70 era una palabra más pesada, más fuerte. Todo depende de qué se entienda por fusión: Yes era una fusión de música clásica y rock, la fusión hasta puede ser mezclar la mostaza y el ketchup de tus papas fritas.

–¿Crees que existe algo como un estilo puro de música?
–Creo que sí, aún existe. Todavía hay muchos músicos que tocan jazz puro y está bien que lo hagan, es genial tener una tradición. No es necesariamente mi deseo hacer eso, pero creo que, a mi manera, también mantengo un estilo de música vivo, pero más reciente, de 20 años más tarde. Pero en la costa este, sobre todo, hay muchos haciendo una música increíble que mantiene la tradición viva. Alguien tiene que hacer ese trabajo.

Intercambios
–Grabaste y tocaste con músicos como Jean Luc Ponty, Chick Corea y Joe Zawinul, ¿qué sacás en limpio de esas experiencias?
–Joe Zawinul fue mi músico preferido por muchos años, si trato de pensar cuando lo escuché por primera vez tendría que remontarme a mis primeros años de universidad, a los 20. Fue un verdadero placer tocar con él y aprendí mucho. Las otras experiencias, las de Chick Corea y Jean Luc Ponty, también, pero no estaba tan inserto en su música.

–¿Podés nombrar a músicos que te hayan influenciado más que otros?
–Mi mayor influencia son los guitarristas. Jeff Beck es una gran influencia, escucho mucho a ese tipo de guitarristas. Los primeros bluseros como Albert King también fueron importantes.

–Si tuvieras que nombrar una marca personal que te identifica, ¿cuál sería?
–No sé, porque alguien puede escuchar tus composiciones y reconocerte, o escuchar tus grabaciones y hacerlo también. Creo que sí tengo un cierto tono y, usualmente, los músicos son reconocidos por el tono. Calculo que si alguien me escucha me distingue por ese tono, pero sólo estoy adivinando.

Tocar y enseñar
–Sos profesor de guitarra, ¿qué es lo primero que enseñas a tus estudiantes?
–No soy el típico profesor que da clases, yo sólo respondo a las preguntas y más bien doy consejos. La gente toca conmigo y me hace preguntas o les apunto mientras tocan en qué creo que deberían trabajar más.

–Y si tuvieras que dar un consejo, ¿cuál sería?
–Calculo que hay que mantener los oídos abiertos y no quedarse escuchando una sola cosa o un solo estilo. Un músico debe tener la mente abierta y escuchar varios tipos de música para ser un buen intérprete.

–Uno de tu últimos discos en en vivo ¿preferís esa modalidad o grabados en estudio?
–Hacer un disco en un estudio es más difícil, porque las condiciones y la atmósfera es completamente opuesta a las de tocar en vivo, que es lo que yo hago todo el tiempo. En un año entro a un estudio dos veces y toco en vivo docenas. Estoy más cómodo en el escenario, porque hay un público y el sonido en vivo es preferible. No obstante, hacer un disco en un estudio de grabación es también divertido, lo disfruto, es emocionante para mí porque es algo que no hago muy seguido.

Datos útiles
Scott Henderson Trío. Scott Henderson (guitarra), Alan Hertz (batería) y John Humphrey (bajo). Viernes a las 21.30 en el Teatro Comedia. Plateas $ 55 y $ 50, primer nivel $ 45 y segundo nivel $ 35.

Reinventarse y seducir

Por Marian Pidal:

Información Recopilada de ElComercioDigital:

http://www.elcomerciodigital.com/prensa/20061112/sociedad/...

El pianista Isaac Turienzo, el contrabajista Miguel Ángel Chastang y el batería Tino di Geraldo presentaron en el Festival de Jazz de Gijón los temas que componen el disco 'Jazz de Raíz', una grabación que, tras un año de trabajo, saldrá a la venta el próximo martes.

Cuando Isaac Turienzo dio un viraje a su trayectoria musical y optó por dedicarse al jazz lo hizo, como todo el que empieza, desde los standars. Pero, era inevitable que siendo de naturaleza inquieta y teniendo dotes para la improvisación probase suerte como arreglista y terminase apostando por los temas propios. Desde los tiempos en que Turienzo adaptaba 'Caravan' o 'Cantaloupe Island' -con la ansiedad lógica de la inexperiencia- hasta la actualidad -su versión de 'Bésame mucho' se analiza en las universidades canadienses- media un largo camino de superación y empeño. A las jam sessions imprevisibles con los más jóvenes sucedieron las actuaciones memorables junto a Pardo y Henderson. Mientras tanto, Chastang saboreaba el jazz con la sabiduría de quien ha compartido escena con Ron Carter y Sonny Fortune, y Di Geraldo se codeaba con Paco de Lucía y Camarón. Tres vidas de jazz. Tres carreras de largas distancias con Asturias como punto de partida y de encuentro.

El Jovellanos fue testigo excepcional de una noche de fusión en la que convivieron raíces musicales asturianas, andaluzas y portuguesas, y se abrazaron estrechamente el bop y el latin. La introducción de Turienzo de 'Santa Bárbara bendita', pura elegancia e improvisación, dio paso a unas revisiones de 'Campanines de mi aldea', 'Dime, xilguerín parleru', 'Date la vuelta, Pepe', 'Si la nieve resbala' y 'Paxarinos' en las que la melodía pegadiza y la sobriedad armónica de los originales se escondieron en frases escurridizas, sorpresivas y flexibles como trazos dalinianos. 'Mis alegrías', con un ingenioso remate por bulerías, trajo la brisa de Cádiz; 'Balada para Tete', el bop más genuino, y 'Um fado por bulerías', un abrazo entre culturas. La despedida, 'Softly, as in a morning sunrise', fue un paseo estimulante por la ruta del walking al latin. Velada para la metamorfosis de lo cotidiano. Reinventarse y seducir.

A ritmo de vértigo

Por Alberto Piquero

Información Recopilada de ElComercioDigital:

http://www.elcomerciodigital.com/prensa/20061112/so...


El Jovellanos agotó las entradas para escuchar la música trepidante de The Kenny Garret Quartet, que ofreció un concierto lleno de virtuosismo instrumental


En víspera de la clausura de lujo que protagonizan hoy Michel Camilo y Tomatito, la presencia en la velada de ayer del saxofonista Kenny Garret vino a confirmar que la variedad del programa del Festival de Jazz de Gijón es una de sus características encomiables. Bossa nova, samba, melodías de los años 30 o la fusión del cancionero tradicional asturiano con la música de vanguardia, han ido compareciendo en las tablas del Teatro Jovellanos dejando el buen gusto de la pluralidad de tendencias que hoy prima en el panorama musical. Y ello sin extender la apreciación a la oferta complementaria que también puso sus vibraciones en el Parque del Piles.

Kenny Garret, oriundo de la fabril y automovilística ciudad de Detroit, donde nació en 1960, llegaba precedido por la opinión de los críticos que le adjudican especiales habilidades en el 'staccato' -abreviatura de la notación a la mitad de su duración convencional- y por sus colaboraciones con algunas de las leyendas del jazz, como Miles Davis, el creador del 'cool', o Quince Jones, arreglista de Lionel Hampton o Frank Sinatra y compositor de la banda musical de 'El color púrpura', la película de Spielberg. Quiere decirse que la aureola era inconfundible, aunque a veces el brillo de los grandes nombres ponga una cierta penumbra en los de sus acompañantes.

Kenny Garret posee luz propia, se maneja con una energía singular, en la que la velocidad de la ejecución no resta un ápice a la puntualidad del sonido, encorvándose sobre la boquilla o arqueándose en circunferencia inversa.

Sin duda, contribuyen de manera excelente sus apoyos, el batería Jamire Williams, un portento delgadito con lentes intelectuales y cabellera afro, que lo primero que hizo fue arremangarse -de los solos que se acostumbran a realizar con la percusión en cada sesión, él hizo todo un recital-; el contrabajo de Kris Fun, juntando las manos sobre los trastes en prodigiosos agudos, y el piano de Benito González, quien logra que las líneas rectas sean onduladas. Proporcionaron una alegría llena de complicidad que inundó y contagió al patio de butacas, que en esta ocasión se llenó por completo.

Se dice que la vivacidad es el don de Kenny Garret y lo que se quiere decir es ritmo trepidante, dedos alados, embriaguez luminosa que no deja resaca.

Puro vértigo.