Banner publicidad
sábado, noviembre 25, 2006
viernes, noviembre 24, 2006
Agotadas las entradas del concierto de Herbie Hancock en el Festival de Jazz de Barcelona
http://www.europapress.es/noticia.aspx?cod=20061121170503&ch=175
Hancock, de 66 años, tocó junto a Miles Davis y ha compuesto una de las grandes piezas del jazz de las últimas décadas, 'Seven steps to heaven'. El pianista presentará en Barcelona su último álbum, 'Possibilities', en el que colaboran artistas tan variopintos como Christina Aguilera, Stevie Wonder, Sting o Carlos Santana.
En el concierto en el Palau de la Música, Hancock estará acompañado de Lionel Loueke a la guitarra, Nathan West al bajo y Vinnie Colaiuta a la batería.
Llega a Chile Show de Flamenco Jazz
http://www.chile.com/tpl/articulo/detalle/ver.tpl?cod_articulo=83552
El mestizaje ha marcado la expresión musical del milenio. De esta constante actividad de mezcla de géneros, ritmos y diversas colaboraciones tampoco se escapó el flamenco. De hecho, esta típica expresión española instintivamente se orientó casi instintivamente hacia el jazz. De este mestizaje, según los expertos ha surgido uno de los cruces e interacciones de mayor factura y creatividad musical.
El flamenco ha asimilado diversas influencias que pasan por el jazz en sus variantes swing, be-bop o cool jazz. En esta visión, Carles Benavent, Tino Di Geraldo y Jorge Pardo fueron pioneros y adelantados en la fusión del jazz y del flamenco, por ello han sido denominados los creadores del nuevo flamenco.
Los tres artistas son referencia imprescindible en el mundo del flamenco y el jazz, habiendo realizado colaboraciones tanto en directo como en disco con las principales figuras del flamenco: Camarón de la Isla, Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar, Vicente Amigo, Carmen Linares, José Mercé, Enrique Morente y un largo etcétera.
Entre sus colaboraciones internacionales destacan la realizada con Chick Corea en su último disco, además de Pat Metheny, Gil Goldstein, Quince Jones, Miles Davis, Nguyen Le, Jackson Browne.
Este otoño saldrá a la venta la grabación en estudio del nuevo disco del trío, en el que se registran temas compuestos tanto individual como conjuntamente y donde demuestran la madurez y la complicidad que han adquirido después de 7 años de giras y conciertos por todo el mundo. Su título: Sin precedentes.
El espectáculo Flamenco Jazz se presentará en un único concierto en nuestro país, este sábado 25 de noviembre a las 21 horas en el Teatro Oriente, en lo que promete ser uno de los mejores shows del año.
El espectáculo es el último concierto de la temporada internacional 2006 del Teatro Oriente, que tuvo de visita a grandes maestros como Randy Brecker, Frank Gambale, Dave Holland y Airto Moreira.
Las entradas van de $6.000 a $20.000 y están a la venta a través del sistema Ticket Master, a lo que se le suma una Clínica organizada por la Universidad del Pacífico el mismo sábado 25 a las 15:30 horas también en el Teatro Oriente. Las entradas están a $3.000 estudiantes y $5.000 general y se pueden conseguir en www.upacifico.cl o al teléfono 3665263.
Festival Flamenco de Londres 2007
http://www.flamenco-world.com/noticias/eflamencofestivalus22112006.htm#nuevayork
Sábado 24 y domingo 25 de febrero
Ballet Flamenco Eva Yerbabuena
Eva Yerbabuena
(Foto: Daniel Muñoz)
Lunes 26 de febrero
Estrella Morente
Martes 27 de febrero
Málaga en Flamenco
Miércoles 28 de febrero
Isabel Bayón Compañía Flamenca
(con Miguel Poveda como artista invitado)
Jueves 1 de marzo
Gerardo Núñez Quintet
(con Carmen Cortés como artista invitada)
Viernes 2 de marzo
Compañía Carmen Cortés
Sábado 3 de marzo
Gala Flamenca
Festival Flamenco de Nueva York 2007
http://www.flamenco-world.com/noticias/eflamencofestivalus22112006.htm#nuevayork
Town Hall (20 horas)
Estrella Morente
Sábado 10 de febrero
Isaac Stern Auditorium at Carnegie Hall (20 horas)
‘Andalusian Night’
Paco de Lucía
Paco de Lucía
(Foto: Daniel Muñoz)
Editan el primer disco de la formación de jazz Jerónimo Martín Trio
La empresa discográfica Errabal de Soraluze (Guipúzcoa) ha editado el primer disco de la formación de jazz Jerónimo Martín Trio, que refleja la capacidad expresiva y la querencia por la improvisación de sus componentes.
En el disco, según Errabal, la música "fluye sobre las individualidades y el total supera siempre a la suma de las partes", mientras que en la música "subyace un tinte melódico e intimista, que a veces deviene en melancolía y otras en pura fantasía".
La formación musical, que se define como "aferrada a la armonía y a la libertad y la improvisación", está formada por el pianista bilbaino Jerónimo Martín, el también bilbaíno Hasier Oleaga a la batería y el contrabajista salmantino Javier Mayor.
Jerónimo Martín, que comenzó su carrera musical tras finalizar sus estudios en el prestigioso Taller de Musics de Barcelona, tiene un amplio bagaje en el arreglo y composición para producciones teatrales, ha colaborado en proyectos de artistas como Gontzal Mendibil y Txuma Murugarren, y ha realizado asimismo incursiones en el terreno clásico, como en el homenaje a Ennio Morricone junto a la Orquesta Filarmónica de Bilbao.
Hasier Oleaga, que posee según señala Errabal "una increíble energía y sutileza", tiene una extensa y variada trayectoria tras colaborar en proyectos de músicos como Mikel Laboa, Gari, Mikel Urdangarin, Pirineos Jazz Orchestra o Teresa Zabalza Quintet.
Por su parte, Javier Mayor está a punto de finalizar sus estudios en Musikene, posee una "gran preparación técnica" y es habitual de la escena clásica a través de la colaboración con distintas orquestas, además de colaborar en distintos proyectos de jazz, rock y funk.
El sello discográfico de Soraluze Errabal, que ha editado ya varias grabaciones de jazz, nació en 2004 en el seno de la asociación cultural del mismo nombre con el proyecto de poner en marcha Debajazz, un festival que ha hecho posible llevar a diferentes localidades del Alto y el Bajo Deba actuaciones de jazz de calidad.
Mariella Kohn homenajea al cajón afroperuano con el disco 'Landó'
http://actualidad.terra.es/cultura/articulo/mariella_kohn_lando_1229719.htm
La cantante y compositora peruana Mariella Kohn debuta en el mercado discográfico con 'Landó', álbum que celebra el 25 aniversario desde que Paco de Lucía introdujera el cajón originario del país andino en el flamenco y cuyos ritmos sonarán en directo mañana en el Palacio de Congresos de Madrid.
La también musicóloga ha elegido este título para su primer disco porque 'refleja mi manera de vivir y la forma en que yo ejecuto mis sueños', explicó hoy en la presentación del álbum.
Aunque las doce canciones han sido compuestas durante los últimos quince años, Kohn siente que no 'ha llegado el momento de publicarlas hasta ahora', en un disco que, producido por Dante Areal, 'nace del agradecimiento' a todos los que han confiado en el proyecto, que es también el primer ejemplo de música afroperuana grabado en Europa.
El lanzamiento y presentación de 'Landó' mañana en el Palacio de Congresos forman parte de las primeras Jornadas de la Cultura Musical Afroperuana en Madrid, que se celebran en distintos escenarios de la Comunidad durante todo el fin de semana y que hoy se presentaron en la SGAE.
Entre las actividades programadas, se encuentran la exposición fotográfica 'El carnaval negro', de Maciej Dekert Avila, que se podrá ver mañana y el domingo en el hall del Palacio de Congresos; la mesa redonda 'La música como elemento cultural de integración', el sábado en el Centro Hispano Peruano de Madrid, o la presentación del libro 'El cajón afroperuano', del músico Rafael Santa Cruz, el sábado en la Casa de América.
Santa Cruz dictará el sábado un taller sobre el instrumento en el Palacio de Congresos y el domingo dirigirá la clase maestra 'El Rey Cajón', para acabar con la conferencia cantada 'Mariella cuenta y canta', con la que Kohn pondrá punto final a las jornadas.
El respetable público del jazz
Información Recopilada de GranadaDigital:
http://www.granadadigital.com/gd/amplia.php?parte=Opinion&id=598
Cautivos, desarmados y agradecidos por la avalancha de conciertos en noviembre, añoramos ahora las crujientes butacas del Isabel la Católica. Hemos encontrado buena música estos días. Además de una simple afición, el jazz llega a ser una manera de estar en el mundo. En sus acordes nos buscamos un poco a nosotros mismos. Queremos, en nuestra esquizofrenia musical, que nos tarareen estribillos conocidos. A la vez, si esos estándar resultan demasiado obvios y previsibles, aplaudimos con desgana y salimos descontentos. Necesitamos innovación, pero cuando llega no la perdonamos, ya que siempre recordamos a Duke Ellintong y Charlie Parker con esa frase hecha y vacía de “aquello era música”.
Observo en los festivales que cada uno va siendo, año tras año, un poco más de su padre y de su madre. Están los modernos que flipan con Zawinul o Garrett. También los hay clásicos, que en realidad están necesitando un bolero bien cantado o una sencilla sesión de ragtime. Siempre están los “boperos”, que no quieren saber nada del asunto si el desarrollo del solista no salta entre mil tonalidades. Coltrane se les queda pequeño hoy día. Luego están los que, puntualmente, acuden llamados por la estética. Ya se sabe, hay quien asocia el jazz con los reflejos de un saxo o el humo saliendo de una esquina en las calles de Harlem. Descubren que, gracias a Dios, no sale humo por ningún lado, ya que es un recurso cinematográfico propio del cine negro.
Que los saxos muchas veces no brillan, porque los buenos suelen ser antiguos y están desgastados. Los que buscan todo esto, salen del teatro en silencio al finalizar el concierto, pero no vuelven nunca más. Los que más admiración me causan son los fanáticos del free. ¿Cómo puede gustarle a alguien exclusivamente lo que no entiende?. Comprendo su amor por lo distinto, aunque no comparto su actitud radical. Así, todas y cada una de estas tribus conviven perfectamente, aunque se miren de reojo. El público es la verdadera representación de la perfecta convivencia. Algunos, en estos días, se han dedicado incluso a dormir plácidamente durante el concierto. De todos ellos, me siguen impresionando aquellos que observo, cada año, en las primeras filas.
Guardan su abono, desde hace décadas, en el fondo de algún cajón. Rememoran las imágenes de Juan Vida para cada edición del Festival. Reservan para siempre en su recuerdo instantes inolvidables, como para mí lo fue Tete Monteliu con Paquito de Rivera en el Estadio de la Juventud. Sin modestia, porque formo parte de esta última tribu, quiero dedicarles mi más sentido comentario del festival. Todos sean bienvenidos. Con este público y, cómo no, con los patrocinadores y organizadores, el festival ha sido cada vez más grande. Y quizá también más libre.
Una noche de flamenco en Berna
Información Recopilada de SwissInfo:
'Afán', espectáculo de flamenco presentado por una suiza, fascinó recientemente a berneses, a españoles y al público de otras partes del mundo presentes en la Dampfzentrale de Berna.
Muy aplaudida fue la impecable actuación de la bailarina y coreógrafa Brigitta Luisa Merki, así como la original música del cuarteto de la compañía de baile 'Flamencos en route'.
'Afán, figuración flamenca', el proyecto más reciente de Merki, fue elaborado con diferentes músicos y la artista Gillian White, quien para esta producción creó la escultura de hierro 'La Bailante'.
Aparte de los músicos, 'La Bailante' fue la única 'acompañante' de Merki en este programa unipersonal donde el sonido de los instrumentos y el zapateo se enriquecieron con movimientos, colores, formas, luces y sombras.
'Afán' se ha presentado en 35 oportunidades en Suiza, Italia y Alemania. Su 'premiere' en Berna fue organizada por la Asociación 'Días de baile en Berna' (Verein Berner Tanztage), que cada año, en verano, organiza un festival con danzas de diferentes regiones del mundo.
Todavía impresionada por la positiva reacción del público ante su primera presentación, Merki señaló a swissinfo sentirse "muy contenta porque era un público muy bueno. Cada presentación es diferente, depende mucho del sitio, del escenario y del público".
Sobre el título de este proyecto, Merki dijo que es resultado de un proceso de investigación e inspiración en la música y la poesía. "Afán también refleja un poco mi situación: mucho tiempo he dejado de bailar para montar coreografías para mi compañía 'Flamencos en route'".
Realmente tengo un grande afán, unas ganas intensas de bailar, de estar en el escenario, es una necesidad. Me parece además que 'afán' es una palabra muy poética, es como un afán de amor, de poder, para mí es algo positivo, expresó.
Esta suiza ha llegado a 'domar' al flamenco también con grandes dosis de disciplina. "Una actuación así demanda mucho ensayo, precisión total, hay que entenderse muy bien (con los músicos), comunicar mucho y ensayar durante muchas horas".
Los sonidos del bandoneón o del violoncello hacían pensar por momentos que se asistía a un espectáculo de tango, sin embargo, la guitarra y la percusión borraban esa frontera difusa y llevaban al espectador de nuevo al mundo del flamenco.
Al respecto, Merki aclara: para mí, la autenticidad tiene que ver con lo verdadero de mi expresión artística. Trato de encontrar la verdadera expresión personal en mis coreografías y en la música. Mi herramienta, mi idioma es el flamenco.
Es el arte de lo propio, continúa. "La esencia del flamenco está apoyada en su historia, en la que se unifican diferentes fuerzas culturales que lo han marcado de manera distinta con el paso del tiempo. Para mí es importante no perder la fuerza, la vitalidad propia del flamenco. Sólo a través del profundo conocimiento de la tradición puedo concebir algo nuevo y propio".
Por eso Merki entiende que parte del público haya gustado sobre todo de la guitarra. "Todo el mundo asocia la guitarra al flamenco y Juan Gomez es un guitarrista muy bueno. Pero él también quería combinarla con instrumentos como el cello, que es muy dulce, casi una voz".
Gomez, oriundo de Cádiz, es integrante de la compañía 'Flamenco en route' desde 1997. En este tiempo ha aprendido a conocer al público no-hispano. De los suizos opina: «Son agradecidos con los artistas, a los que venimos de fuera nos acogen bien».
Además ha observado estos 10 años que en Suiza ha aumentado el interés por el flamenco. «Con los medios de comunicación y los viajes, el mundo se hace más chico y las culturas se unen más. El flamenco ya no tiene misterios y los suizos lo conocen muy bien».
Tanto que una suiza lo defiende con éxito. "El trabajo de Brigitta Luisa es bueno. Como español me siento orgulloso de que una persona de fuera guste tanto de lo mío. Los españoles deberíamos sentirnos orgullosos de que nuestra cultura sea apreciada por suizos o japoneses».
O por peruanos. Para Cristina Iturrizaga, peruana que toma clases de flamenco en Berna, Merki presentó "un espectáculo muy creativo, lleno de símbolos, un flamenco de vanguardia y sin embargo fiel al flamenco auténtico en el zapateo, en el movimiento de los brazos".
La española Carmen Gutiérrez señaló: "Hace años que veo las actuaciones de Brigitta y creo que ha evolucionado de manera espectacular. Es sorprendente cómo llega a fusionar el flamenco clásico con un aspecto muy creativo de la música, el baile y la coreografía".
Brigitta- prosiguió- es fiel a las raíces de este arte y en su presentación se encuentra ese duende que se busca en el flamenco, al mismo tiempo que lo embriaga con muchas influencias, como por ejemplo argentinas".
Según la suiza Ursula Miranda, también "fue un espectáculo impresionante. Experimenta con la combinación de instrumentos clásicos, como el violoncello, y el bandoneón, más asociado al tango. Creo que los movimientos del baile son clásicos, no tanto la música, pero justamente por eso es como un matrimonio entre diferentes culturas".
Brigitta entró al mundo de flamenco cuando tenía 17 años, gracias a un encuentro decisivo con Susana Audéoud, legendaria bailarina suiza de flamenco. Susana y su esposo, el compositor y pianista español Antonio Robledo, daban cursos de flamenco en Zúrich.
"De este mundo me fascina por un lado el ritmo, que en este baile artístico define la forma y la estructura. Por otro lado, en gran contraste con lo anterior, siento esta fuerza emocional y la gran libertad individual en la interpretación".
También le atrajo 'lo oscuro' del flamenco. "En este ambiente marcado por lo polifacético me sentí pronto en casa. Susana tuvo un carácter ejemplar en mi desarrollo personal, aun cuando después, durante varios años, absolví mi formación en España con diferentes profesoras".
Merki ha vivido muchos años en España. En este tiempo se ha familiarizado con la cultura y la cotidianeidad en este país. "España se ha convertido de algún modo en una segunda patria".
La suiza observó pronto que un español no es simplemente un español, sino que hay andaluces, salmantinos, madrileños. Siendo suiza, esta diversidad cultural no le es extraña. "En España me dejo inspirar quizás más por lo irracional, por lo imprevisto, en Suiza me dejo llevar más por la razón".
Según Merki, el flamenco se ha convertido hace tiempo en una música universal y en tanto el público está familiarizado con él, no reacciona más como si fuera algo 'exótico' o 'folclórico'.
Por supuesto el público español, por el solo hecho de hablar el idioma, está más cerca del flamenco, agrega. "Con el canto se produce una comunicación directa, que en Suiza tiene menor significado. Aquí el público reacciona más ante la fuerza expresiva de la música y el baile".
Merki vuelve a referirse a la pareja que influyó tanto en su vida artística. "El carácter único de las composiciones musicales que Antonio escribió especialmente para el baile y las ideas coreográficas de Susana me inspiraron e influyeron intensamente. Ambos fueron grandes pioneros en el área del arte escénico del flamenco".
Susana, la legendaria bailarina suiza de flamenco y coreógrafa, celebró sus 90 años el pasado 10 de octubre. A ella también le dedica Brigitta sus presentaciones.
Scott Henderson: “Chick Corea es muy estructurado”
“La música es un arte no una ciencia. Hay mucha gente que toca científica o intelectualmente. El artista no debe pensar mucho”, dice Henderson desde Argentina.
Un niño llega a la cocina de su casa y el sonido de la guitarra que sale de una vieja radio lo enloquece. Ese chico es Scott Henderson (1954) en Florida, muchos años antes de convertirse en uno de los mejores guitarristas del mundo.“Fue ‘Whole lot of love’ de Led Zepellin, esa canción cambió mi vida”, dice el músico desde Argentina luego de la presentación del lunes en el país vecino. Ahí presentó Scott Henderson Live, el mismo espectáculo que brindará en Chile el viernes 24.
“Se van a divertir mucho”, dice.
A Chile viene por segunda vez -la primera fue al inicio de los 90 con su banda Tribal Tech- y trae un show que resume lo que ha sido su vida: un mezcla de calle, escenarios y academia. Porque Henderson es un tipo que ha tocado con Chik Corea, Joe Zawinul y Jean Luc Ponty y que en sus primeros años cultivó su oreja y dedos al sonido de Jimmy Page, y Hendrix. Luego tocó rock y blues en bares de carretera y a los 23 años adquirió “groove” compartiendo escenario con agrupaciones negras tan funkeras como James Brown. Sume a este carrete musical sus estudios de Jazz en Los Ángeles y saque cuentas: un monstruo de las seis cuerdas. Uno de esos músicos que hace pensar a los guitarristas en botar el instrumento a la basura.
LA JUGUERA DE SCOTT
Henderson se presenta este viernes en el Centro Cultural Montecarmelo junto al bajista John Humphrey y al baterista Alan Hertz. Aquí habla de lo que más sabe.
-Has dicho que es más importante aprender a tocar de oído que aprender técnica, ¿por qué?
-Es más importante porque la música es sonido. Es un arte no una ciencia. Hay mucha gente que toca científica o intelectualmente. El artista no debe pensar mucho.
-Parte de tu repertorio del próximo viernes será de blues. ¿Qué significa ese estilo en tu vida?
-Es la música con la cual crecí, significa más que ningún estilo, aunque el jazz, el rock’ n roll y el funk tienen su importancia . Cuando escribo música estoy influenciado por todos estos estilos.
-Es una pregunta repetida pero debo hacértela. ¿Cómo fue trabajar con Chik Corea y Jean Luc Ponty?
-Chik Corea es un músico muy estructurado, y yo no estoy muy interesado en las estructuras. Necesito libertad para hacer música, debe haber un balance entre la estructura y la improvisación, debe ser 50 / 50, con esos muchachos tocábamos un porcentaje de 80 / 50.
[Libro] Del fox-trot al jazz flamenco
El jazz en España 1919-1996
ISBN-EAN13 9788420694528
328 páginas
17 x 25 cm, encuadernado en tapa dura con sobrecubierta
En un principio era el fox-trot, ragtime o charlestón, nombres por los que se conocía al jazz cuando las mujeres negras venidas de Cuba bailaban la rumba en deshabillé en el Paralelo. Luego aparecieron los jazz-bandistas y el primer movimiento musical juvenil de la historia: los pollos-pera. Más tarde, en la era dorada de las grandes orquestas, medio país bailaría al ritmo del swing y el boogie-woogie y se enamoraría escuchando a los vocalistas.
Del fox-trot al jazz flamenco da forma por primera vez, desde el rigor y la amenidad, a una historia mal conocida: la de El jazz en España 1919-1996. Una historia que ni siquiera nuestra Guerra Civil pudo detener y que después se aceleraría con la conmoción que supusieron el jazz moderno, la censura y la llegada de las grandes figuras del jazz internacional de los sesenta. Figuras que además servirían de pretexto para aglutinar en dos clubs míticos, el Jamboree en Barcelona y el Whisky Jazz en Madrid, a los contestatarios del Régimen.
José María García Martínez ha dedicado años a la investigación, búsqueda y reelaboración de los documentos necesarios para contar el desarrollo en nuestro país de la música más característica del siglo que termina y explicar por qué Tete Montoliú, Jorge Pardo, Chano Domínguez, Carles Benavent, Joe Farreras, Sebastián Albalat, Luís Rovira, Pedro Iturralde, Vladi Bas, Perico Sambeat, etc., son los protagonistas indiscutibles de la historia.
Diversión a ritmo de guitarra y voz
El flamenco llega a Bilbao con Rafael Amador y su grupo Pata Negra para recuperar temas míticos como ‘Pata Palo’.
Si hace pocas semanas fueron Los Delinqüentes los encargados de traer los aires y sones andaluces a tierras vizcaínas, ahora le toca el turno a Pata Negra, uno de los conjuntos flamenco con más solera de los años noventa. Por aquél entonces estaba compuesto por Rafael y Raimundo Amador y cosecharon un éxito detrás de otro. Sin embargo esta alegría no duró mucho, ya que Raimundo decidió emprender su carrera en solitario.
Rafael, por su parte, se dedicó a hacer diversas colaboraciones con varios grupos, pero nada serio hasta que nació la idea de este nuevo proyecto.
Ahora llega a Bilbao con su hijo y con ganas de recuperar el tiempo perdido.
Se trata de una nueva oportunidad para dar a conocer el genio y la garra de esta familia gitana que hará gala de sus mejores y más conocidos temas como El blues de la frontera, Pata Palo o Yo me quedo en Sevilla.
Con este renacer se verá la verdadera esencia del cante hondo. Además, su experiencia y veteranía como artista y músico son un punto a favor para que el grupo flamenco se consolide, otra vez, como una de las bandas referencia del panorama nacional, y para conseguirlo, qué mejor que continuar en la línea que le hizo triunfar.
Están, por lo tanto, todos los ingredientes necesarios para disfrutar y bailar a golpes de voz y guitarra.
La VIII Semana del Jazz continúa con música hecha en España
La octava edición de la Semana de Jazz que organiza Caja de Ávila continúa su programación. Cuenta con el éxito del público que se acerca cada tarde al Auditorio de esta entidad, con el fin de pasar un tiempo dedicado exclusivamente a escuchar buena música.
Tras las actuaciones de artistas internacionales consagrados en el panorama jazzístico de estos días, hoy será el turno de la música hecha en España y, además, con influencias del flamenco. Será el turno, a partir de las 20 horas, de Joaquín Chacón y sus ´Spanish Standars´, espectáculo en el que estará acompañado por Eva Durán, la voz del jazz flamenco.La artista promete momentos de jondura en momentos de guitarra y voz en solitario, para retomar el camino de vuelta a terrenos de fusión donde recuperar la sonoridad jazzística; un cante mesurado que Eva Duarte ya ha desarrollado en otros proyectos junto a artistas como Guillermo McGuill, además de otros cantaores flamencos.
Fin internacional
A Joaquín Chacón y Eva Duarte les seguirán, mañana, el cuarteto de Doris Cales y su espectáculo ´Cutting Edge Vocal Jazz´; una formación liderada por la neoyorquina afincada en España Doris Cales, quien cuenta, en su trayectoria, el haber colaborado en trabajos de Jorge Pardo, Jerry González, Raimundo Amador y Tomás San Miguel, entre otros. Cantante versátil, de feeling desbordante, como solista se sumerge en el recuerdo de canciones que siempre había querido interpretar, aunque también presenta composiciones propias.
El punto final de la VIII Semana de Jazz lo pondrá, el domingo, el Pybus Groove Quartet y su ´Comercial Jazz Extraordinaire´, un espectáculo en el que el grupo presentará City Life –el nuevo CD del cuarteto liderado por Dave Pybus–; un trabajo rico, vitalista, efusivo, que toma el groove como referente estilístico y, por lo tanto, combina la improvisación seductora del jazz con los ritmos populares de la música negra americana –soul, funk, hip hop, rhythm and blues, etc.–.
El saxofonista canadiense y sus compañeros han elaborado temas originales de gran poder comunicativo, cálidos y tentadores, que podrán escucharse en el Auditorio de la entidad organizadora, con entrada libre, el domingo, 26 de noviembre, a partir de las 20 horas.
Jazz apasionado por el flamenco
http://www.lanacion.com.ar/entretenimientos/nota.asp?nota_id=861514
Una de las propuestas que mejor expresa la actualidad del jazz español es la del trío Pardo-Benavent-Di Geraldo, quienes con un trabajo sustentado en años de compartir escenarios han logrado desarrollar una equilibrada y fluida fusión con el flamenco.
Con casi 20 años de reunirse tanto en escena como en diferentes discos, el saxofonista Jorge Pardo, el bajista Carlos Benavent y el baterista Tino Di Geraldo reflejan compromiso y altura con ese jazz aflamencado que posee su propuesta y suena con una naturalidad que llega, por momentos, al descaro. El trío por alguna razón que desde esta orilla no se comprende se presentará solamente en Uruguay. Hoy, a las 20, actuará en el Salón Cevallos, del Sheraton Hotel de Colonia, con una innovadora y fresca forma de aproximar el jazz a las raíces flamencas, como ningún otro grupo, salvo quizá la del pianista gaditano Chano Domínguez.
Un trío construido sobre el basamento rítmico de ese patriarca del bajo que es el catalán Benavent, y desde el que el madrileño Pardo, a partir del saxo tenor y el soprano, desarrolla un mundo melódico invadido por el asturiano Di Geraldo, que en los tambores encuentra un lenguaje para relatar dos mundos, el abierto del jazz y el estilístico y terrenal del flamenco.
Benavent, que acaba de llegar a Montevideo para presentarse en el Teatro Solís, se prestó gustoso al diálogo telefónico con este cronista para definir la propuesta del trío como un proceso natural entre músicos que se conocen mucho. "Con Pardo tocamos juntos desde 1980 y con Di Geraldo desde 1987, es decir, una pequeña vida juntos en el escenario. Eso nos ha permitido conocernos mucho y toda esa experiencia la volcamos en nuestra música", dijo Benavent, nacido en 1954, en Barcelona, y músico junto con Pardo de ese maravilloso cantaor que fue Camarón de la Isla y del guitarrista Paco de Lucía.
El bajista, fundador del grupo Música Urbana, uno de los pilares del jazz catalán que tocó con Miles Davis y Chick Corea, por ejemplo, además de ser uno de los principales referentes del jazz de su país, desarrolló una forma de tocar el bajo eléctrico de cinco cuerdas muy aflamencada a raíz de una curiosa utilización de la púa. Rasguidos y una suerte de batida sobre el encordado lo colocan como un artista de personalísimo estilo.
"Nuestra música se sustenta en los aportes de los tres. Siento que tocamos nuestras vivencias de manera natural y por eso suena tan fluida la propuesta", admitió el bajista. Sobre la forma de esta fusión, Benavent explicó que no está pensada. "Mira, no es de laboratorio, simplemente sale. El saxo hace una tonada, una bulería, un tanguillo y comenzamos a ponerle lo que nos parece, lo que nos hace sentir ese motivo y así van surgiendo nuestras músicas", señaló.
El trío presentará su próximo disco Sin precedentes , un trabajo que -según comentó- viene algo demorado. "Tiene un tiempo, casi tres años, y está compuesto de composiciones de los tres, pero costó que saliese y ahora, por fin, verá la calle", sostuvo.
Respecto de la situación del flamenco en España, Benavent comentó que ha ganado mucha difusión a través de la fusión con otros géneros. "Ketama hizo su aporte y hay otros, claro. En relación con el jazz, muchos artistas del movimiento actual lo tienen muy en cuenta en su música y eso va cimentando la fuerza de las propuestas. Diría que la música folklórica española es el flamenco."
El Jazz Gitano de Tchavolo Schmitt
El Centro Cultural Caja Cantabria de Santander acogerá mañana, martes, a las 20.30 horas el concierto de una de las figuras míticas del conocido como jazz manouche: Tchavolo Schmitt.
Tchavolo Schmitt es la gran estrella internacional del jazz al estilo manouche, un género caracterizado por el espectacular virtuosismo de sus intérpretes, todos instrumentistas, capaces de improvisar durante horas y a gran velocidad combinando ritmos y melodías gitanas.
Actúa en Santander acompañado por el violinista Costel Nitescu, el contrabajista Claudius Dupont y el guitarrista Mayo Hubert.
Cuando, a los 6 años de edad, su madre le enseña los primeros acordes sobre una guitarra, Tchavolo todavía no sabía que su vida estaría puntuada por encuentros de tal magnitud. A los 12 años los Gitanos lo reconocen como músico y lo invitan a tocar con ellos en conciertos Porte de Montreuil. Después los numerosos encuentros con los integrantes de la familia Reinhardt marcarán el inicio de su carrera actual.
A los 20 años, se agrega al Hot Club da Sinti con quien hará sus pruebas como músico profesional. Estará cerca de Wedeli Kohler y otros grandes nombres del swing.
Tchavolo siempre ha practicado la música en familia. Por eso está, desde hace años, rodeado de sus primos: Mandino Reinhardt, reconocido por los más grandes, Sony Reinhardt, Gogo Berbedef su hermano; Hono Winterstein y Dorado Schmitt.
Su encuentro con Tony Gatlif en 1992 en la filmación de Latcho Drom marca un hito en su carrera. Desde entonces está en los grandes escenarios del jazz europeo En 2002, es hasta el pretexto del la película de Tony Gatlif : Swing. A través el personaje de Miraldo, reconocemos un Tchavolo tranquilo y fogoso, lleno de una simplicidad y de una virtuosidad excepcional.
martes, noviembre 21, 2006
Música de corazón y de técnica
Información Recopilada de LaNacion:
http://www.lanacion.com.ar/entretenimientos/nota.asp?nota_id=860111
El guitarrista presentará mañana su último CD, en el ND/Ateneo
El guitarrista Scott Henderson se ha convertido en uno de los músicos que mejor reflejan esa combinación del blues con el jazz fusión. Su estilo potente, de una contundencia superlativa, lo señala como uno de los mejores representantes de esta nueva mirada que, sin dejar atrás las raíces, trabaja sobre sonoridades y mixturas propias de modernidad.Henderson, con John Humphrey en bajo eléctrico y Alan Hertz en batería, actuará mañana y pasado mañana, a las 21, en el ND/Ateneo, Paraguay 918, para presentar su último disco Scott Henderson Live .
Este músico, nacido en 1954, fue miembro de Chick Corea s Elektric Band, de Chick Corea y el Syndicate, de Joe Zawinul y líder de Tribal Tech. En la actualidad se encuentra de gira con su pequeña Blues Band, con dos músicos con los que puede desarrollar un concepto musical amplio que va desde los iniciáticos blues hasta el rock y el jazz fusión.
Sin ser un guitarrista que abrió camino en algunos de los géneros que suele tocar, es uno de los instrumentistas que han desarrollado un estilo personal, de una honda emocionalidad que se caracteriza por su forma de interpretación.
Su música, casi toda compuesta por él, tiene una combinación equilibrada de líneas con melodías, lo que hace estimulante su propuesta, ya que puede tanto atacar una frase como desarrollar diferentes recreaciones melódicas. Un guitarrista de mucha ductilidad cuyos solos se basan tanto en los acordes como en las frases.
En su último trabajo, este artista propuso, desde un puñado de composiciones, una suerte de abánico rítmico-melódico de fuerte peso blusero. Aquí, algunas de las respuestas que envió a LA NACION por correo electrónico:
-Si bien en su música siempre tuvo presencia el blues, ahora aparece con más énfasis. ¿Cómo fue esa decisión de abordar un género tan estilístico y dejar algo al costado el jazz?
-No estoy dejando en absoluto de lado el jazz fusión. En nuestro concierto tocamos jazz, fusión, rock y blues. La idea es desarrollar lo que sentimos en ese momento; no vamos a la Argentina a hacer un concierto ya estipulado. Veremos cómo nos sentimos y así será cómo toquemos.
-¿La idea de componer e indagar en el blues a qué responde?
-No tengo otros objetivos más que escribir y tocar la música que me hace feliz. El blues es una parte importante de mi formación. Crecí escuchando a guitarristas como Johnny Winter y Jeff Beck. Encuentro muy natural hacer un blues.
-¿Cómo es la música que viene a presentar a Buenos Aires? ¿Es similar a la que presentó en su anterior visita, en julio de 2004?
-Ya tengo material para otro álbum, pero sólo un par de temas estuvieron listos para esta gira. Sin embargo, la música que haremos en esta visita es un tanto diferente a la que tocamos la última vez que fuimos ya que tenemos composiciones que nos permiten indagar mucho en las melodías del blues. Hay que tener en cuenta que el trío trabaja con una pronunciada interacción; de ahí que sería muy difícil hacer que un show se pareciera a otro.
-¿Qué nos puede adelantar del disco y del concierto?
-El último trabajo de estudio se llamará Well To The Bone ; fue una grabación de trío de guitarras con muchas partes superpuestas, como tan bien hacía Jimmy Page, con Led Zeppelin. El disco más nuevo es Scott Henderson Live , que fue grabado en un club donde tocamos a menudo en Los Angeles, el La Ve Lee. La música de ese disco es muy cercana a lo que estamos tocando en este tour. Confío que las audiencias disfruten de esta música que tiene tanto de corazón como de técnica.
Especialistas consideran el 2006 como el año de oro del flamenco en Extremadura
Entre los logros destacan la Lámpara Minera, máximo galardón del Concurso Internacional de Cante de las Minas, ganada por Miguel de Tena, y el premio recibido por Pedro Peralta por sus tangos extremeños.
Los organizadores del XXXII Festival de Flamenco de Cáceres, que tendrá lugar el próximo 25 de noviembre, destacaron esta semana el 2006 como el año de oro del flamenco en Extremadura, con los premios nacionales logrados por los cantaores extremeños Miguel de Tena y Pedro Peralta.Durante la presentación del festival, el presidente de la Peña Flamenca de Cáceres, Federico Vázquez, destacó la importancia de la Lámpara Minera, máximo galardón del Concurso Internacional de Cante de las Minas, ganada por Miguel de Tena, así como del premio que recibió Pedro Peralta en este mismo certamen por su actuación con tangos extremeños.
A la presentación del XXXII Festival Flamenco de Cáceres también asistieron la diputada provincial de Cultura, Silvia González, y el director general de Promoción Cultural de la Junta, José María Corrales, quienes destacaron la importante labor que desarrolla la Peña Flamenca en la promoción y divulgación del flamenco.
Éste último hizo referencia también a la postura del Gobierno andaluz, que ha recogido en la reforma de su Estatuto de Autonomía el flamenco como patrimonio de Andalucía, y recalcó que "el arte es universal y no entiende de fronteras".
Cabe destacar que dentro de la programación del festival, ya se ofreció el pasado día 11 un recital de guitarra, con la participación de guitarristas extremeños y portugueses.
Asimismo, también se ha editado un vídeo que ha sido grabado en el Museo de Arte Contemporáneo de Badajoz (MEIAC), en el que se mezcla el flamenco más puro con la poesía y la pintura de vanguardia, y se ha organizado una exposición con discografía flamenca.
En concreto, en el concierto del día 25, actuará la bailaora María Juncal Borrull, los cantaores Roberto Lorente, Pedro Peralta y Miguel de Tena, los guitarristas "Niño de Brenes", Basilio García, Juan Serrano, Perico de Paula, Juan Manuel Moreno y Francis Pinto, y Cristina Delgado y Pilar García, a las palmas.
Un simposio analiza el flamenco, la vanguardia y cultura popular en el Museo Reina Sofía
“La noche española. Flamenco, vanguardia y cultura popular” es un simposio, realizado en colaboración entre la Universidad Internacional de Andalucía-UNIA y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, con motivo de la exposición del mismo título que se celebrará en el MNCARS en el año 2007. El Museo albergará hoy y mañana las dos primeras jornadas que tendrán su continuación los días 27, 28, 29 y 30 del mismo mes que se desarrollará en la sede de la UNIA.
En 1991 el historiador del arte Ángel González García publicó el escrito titulado La noche española, consideraciones sobre el funcionamiento de las representaciones de lo "español" -flamenco, toros, semana santa… hasta la "guerra civil española"- en el arte europeo moderno y de vanguardia. A partir de esta reflexión han sido escasas las voces que han intentado arrojar alguna luz sobre las preguntas allí planteadas.La presencia de estos elementos de lo flamenco -un ecosistema cultural que va del cante jondo hasta los toros, desde el pintoresquismo hasta la afición gitana- es tan extraordinaria y reiterada, al menos hasta 1945, que nos causa sorpresa ese vacío crítico, un vacío que sólo ha comenzado a rellenarse en los últimos años con exposiciones sobre la influencia del arte español en el arte internacional de fin de siglo.
La exposición rastreará el papel que lo flamenco –un ecosistema cultural que va del cante jondo hasta los toros, desde el pintoresquismo hasta la afición gitana- juega en la configuración y desarrollo de lo moderno y, específicamente, de lo moderno español, tanto en el terreno del arte como en las construcciones identitarias.
En su apartado de Madrid, el Simposio investiga la aparición de lo flamenco en algunos momentos y lugares tan críticos y fértiles como el dadaísmo o las vanguardias rusas, así como su repercusión en el cine y en el arte español. En su apartado de Sevilla, que se celebrará del 27 al 30 de noviembre (www.unia.es/arteypensamiento), el simposio atiende a la perspectiva de la propia cultura flamenca.
La jornada de hoy comienza con la ponencia “Carmen in Rusia. The Russian perception of Spanish culture in Fin de Siècle and Avantgard art a cargo del historiador, Sjeng Scheijen. Ya, a partir de las 11.30 horas, Ulla Magar, historiadora del arte (Munich), hablará de “Danza y arte: del carnaval a la ideología de la vanguardia”. A las 12.00, “Una peineta, un chal, una flor: las bailarinas españolas en Natalia Goncharova”, será el título de la intervención de Jody Blake, conservadora de la Tobin Collection of Theatre Arts, McNay Art Museum (San Antonio, Texas).
Por la tarde, a las 17.00 horas, el profesor asociado de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, Miguel Ángel García Hernández, disertará sobre “Fantasías funambulescas”, y a las 18.00 horas, será el historiador del cine, Julio Perucho quien pronuncie su conferencia “Sorteando atolladeros”. Terminada esta última intervención, a las 19.30, tendrá lugar una mesa redonda.
La jornada del sábado 25, comenzará a las 10.00 horas con “The American Connection: Sargent y Sorolla”, a cargo de Jo Labanyi, catedrática de Cultura Española, New York University. A las 11.00, Javier Pérez Rojas, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Valencia, tratará de “Imágenes flamencas en la plástica española (1910-1930)”. A las 12.30, será el profesor titular de Sociología de Sevilla, Gerhard Steingress quien diserte de “Flamenco: las dos caras de un arte explotado”.
A las 17.00 horas de la tarde, Eugenio Carmona, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga tratará de “Lo nuevo y lo castizo. Reflexiones sobre la recepción española de las primeras vanguardias”. Concluirá la jornada con una mesa redonda en la que intervendrán todos los participantes y a la que se sumará Ángel González.
Hacen juerga Flamenca
http://www.frontera.info/edicionenlinea/notas/Noticias/20061120/131480.asp
De Sevilla a Tijuana
Una juerga sevillana donde no puede faltar la guitarra, el cante hondo, el baile y los aplausos para completar la pasión flamenca, se presentó en el cierre del 13 Festival Hispanoamericano de Guitarra.
El guitarrista español Antonio Rey protagonizó la noche del sábado en la que fueron interpretados bulerías, rumbas, fandangos y zapateados en el Teatro del Cecut.
Proveniente de una familia de artistas del flamenco, este joven músico de 26 años compartió el escenario con la bailaora Mara Rey, además del cantaor José Ibáñez y el percusionista Macario Ibáñez, todos ellos sus hermanos.
En la segunda guitarra estuvo Daniel Jurado y en la trompeta Irapoan Freire, quienes también acompañaron esta gala flamenca en la incluyeron lo tradicional y fusiones, con algunas piezas del próximo primer disco de Antonio Rey.
Al iniciar las casi dos horas de concierto, apareció en el escenario este joven que se ha dado a conocer como una de las promesas de la música flamenca, tras haber obtenido recientemente tres primeros lugares en prestigiados concursos en su país.
Agilidad en las manos, fuerza y expresividad se conjugaron en las piezas que interpretó y que fueron aplaudidas por las alrededor de 800 personas asistentes a una de las dos funciones que presentó.
Poco a poco se fueron integrando al escenario los otros artistas, entre quienes destacó la bailaora Mara Rey, quien tras el intermedio bailó una “soleá” con la gracia y la fuerza de este baile flamenco.
El canto se escuchó en la voz de José Ibáñez, quien también tocó percusiones, haciendo junto a los demás artistas una noche especial, en la que se celebró una de las tradiciones españolas más reconocidas alrededor del mundo.
Con el flamenco en las venas
Al escuchar tocar a Antonio Rey, pocos imaginarían que él nunca a estudiado en una escuela de música, sino que su preparación ha sido consecuencia de ser parte de un estilo de vida en el que el flamenco es fundamental.
“El flamenco no se aprende en una escuela, es algo que traes y vas aprendiendo según van pasando años y vas evolucionando, pero no se aprende en una escuela”, expresó el hijo del guitarrista Tony Rey.
Después de haber iniciado su carrera artística a los 10 años, acompañando a su padre en diversos tablaos en México, su interés por este tipo de música fue creciendo, por lo que se ocupó de observar e imitar aspectos relevantes de los grandes de la guitarra.
“Existen muchas escuelas, maestros y te puedo enseñar una sevillana, una rumba, una bulería, pero hay que vivirlo para entenderlo”, compartió.
A los 15 años, Antonio realizó su primera presentación como solista y desde entonces su carrera ha ido en ascenso.
Entre sus triunfos se encuentra, por ejemplo, la obtención del primer premio del concurso de guitarra Bordón Minero en el prestigioso Festival de Las Minas de La Unión, Murcia, en 2003, así como en otros concursos.
Un lugar entre los grandes
Antonio está conciente de que lo más difícil es abrirse un lugar entre los grandes de la guitarra flamenca, entre los grandes artistas que han recorrido el mundo llevando esta tradición.
“Camarón”, Paco de Lucía, “Tomatito”, Vicente Amigo o Gerardo Núñez, son algunos a los que admira especialmente y de quienes continuamente sigue aprendiendo al observarlos.
“Lo más difícil es hacerte un hueco ahí. Pero mi propuesta es respetando todas las bases flamencas, se puede hacer lo que quieras encima de ello”, expresó este joven cuyo primer disco “A través de tí” circulará en enero, con aspectos tradicionales y fusiones.
El guitarrista expresó algunas recomendaciones a los jóvenes que van iniciando: Que escuchen muchos discos, vean videos y estudien en casa.
“Hoy se puede aprender a tocar la guitarra desde tu casa. Escuchen a los que saben y échenle muchas ganas y paciencia, porque esto es poquito a poco, con constancia”, agregó.
Sobre el grupo que ha formado con algunos de sus hermanos y amigos, y con el que se presentó en Tijuana, dijo estar muy orgulloso por lo que han logrado.
“Todos son grandes artistas y cada uno damos lo que somos en este espectáculo”, agregó.
Por su parte, Mara Rey, quien también fue ovacionada por el público, coincidió con su hermano al expresar que se puede aprender también baile flamenco sin ir a una escuela, pero sí con muchas ganas y dedicación.
“No me lo vas a creer, pero yo aprendí sólo viendo videos, bailando donde pudiera desde los 11 años. Ya tengo 27 años bailando”, expresó la artista.
Jerez-Texas en Festival de Jazz de San Javier
Jerez-Texas acabó su concierto bajo truenos de aplausos, para dejar el sitio al cuarteto de Wayne Shorter, en el Festival Internacional de Jazz de San Javier. Fue “uno de los mejores conciertos de la edición 2006” en palabras de Alberto Nieto, el director artístico de esta gran cita veraniega española.
Para la ocasión, Jerez-Texas había invitado a Isabel Julve (cante y baile flamenco), Josep Aparicio “Apa” (voz del Mediterráneo) y Carlos Sanchis (acordeón).
El concierto fue grabado por Radio3 (difusión próximamente) y un video está disponible desde www.jereztexas.com
« Entre los tres, abrazan un universo musical desprejuiciado y hedonista (….) la idea promete. »
EP3 – El País (14/07/06)
« El grupo español Jerez-Texas – que se ha presentado en San Javier en sexteto – y el cuarteto del saxofonista norteamericano, Wayne Shorter, han protagonizado una noche singular de flamenco, clásico y jazz que dejó en el aforo del auditorio del Parque Almansa una sensación de regusto personal, en todos y cada uno de los espectadores.
Jerez-Texas logró, al final de su actuación, hacerse merecedora de un cariñoso y caluroso reconocimiento del público como si de unos familiares se tratara, y ciertamente, que el sexteto se lo mereció con creces. Magnífico su concierto. »
Reuters (09/07/06) Leer la crónica
« Una fusión cálida con muchos matices en un experimento muy bien recibido por el público (sus discos volaron), dónde el eclecticismo y el riesgo sorprenden. (…) Excelente noche de emociones. »
La Opinión de Murcia (9 de julio de 2006) Leer la crónica
« Cuando empiezan a tocar los temas de “Saó”, tengo la seguridad de encontrarme ante algo nuevo, arriesgado, abierto a tantas influencias que no es necesario identificarse con ninguna en particular para disfrutarlo. (...) Todo funciona en las actuaciones del grupo, la conjunción es excelente y se les ve afianzados, seguros ya de que el experimento musical intentado recibe una buena respuesta por parte del público. »
Turia,( febrero 2006) Leer la crónica
« El primer álbum de este trío inédito es una verdadera joya. Los 10 temas transcriben muy bien la vivacidad de sus conciertos, así como la comunión que les une. ¡Si no los conocéis todavía, Fip os recomienda con fuerza que descubráis al singular trío Jerez-Texas! ¡Y si su primer álbum “Saó” es una selección Fip, ya sabéis por qué…! »
Fip, crónica del álbum selección Fip (enero 2006) Leer la crónica
« Un trío formidable que destila un cóctel jazzy latino inspirado(…), increíbles temas cuyas ramificaciones evocan a Bach y Paco de Lucía. »
Metro (12/10/05) Leer la crónica
« Una mezcla sorprendente en el primer momento, espectacular después de escuchar. Jerez-Texas crea en Saó, con audacia pero sin énfasis, unos climas indecibles. »
Mondomix (nov-dic 05) Leer la crónica
« Este trío se atreve a fusionar jazz y flamenco. El resultado, brillante y lleno de júbilo, como lo demuestra su álbum “Saó”, merecerá el desplazamiento. »
Le Parisien (16/11/05) Leer la crónica
« Un sonido propio y personal: a veces es flamenco, a veces es jazz, siempre tiene la elegancia y el rigor de la música clásica.(...) Todos pasaron por el escenario, pues era el día de la presentación de su disco Saó, y todos volvieron a triunfar una vez más. »
Batonga ! (marzo 2005) Leer la crónica
« Sí, es espectacular, sorprendente, novedoso, bonito, melancólico, creativo, original y de gran calidad lo que han logrado Ricardo Esteve, Matthieu Saglio y Jesús Gimeno.(...) Esta mezcla de géneros e instrumentos (batería, guitarra española y violonchelo) resulta en un trabajo de muy buena coordinación e inmejorable belleza. “Apto para todos los públicos”»
Wha? Magazine (abril 2005) Leer la crónica
« Juntos, han encontrado un equilibrio bonito, adornando su flamenco con cierta dulzura pero también con una fresca creatividad (…) un primer álbum que es a la vez como una singular y muy agradable “unión”. »
Ouest-France (enero 2006) Leer la crónica
« Una fusión y una curiosidad de las más simpáticas. »
Julien Delli-Fiori, Ascenseur pour le Jazz, France-Inter
« Jerez-Texas es emoción y contagio. »
Patrick Derlon, programador Fip
« Una mezcla interesante y nueva, una identidad musical original. »
World (diciembre 2005)
« Un trío inédito, detonante. »
Le Nouvel observateur (suplemento Paris), junio 2004
« Jerez-Texas empuja las fronteras para crear una música inventiva y generosa, mezclando los géneros y confrontando los tempos. »
Ouest-France, 14 de junio 2004
« Jerez-Texas reúne imaginación y fantasía musical, calidad y nivel instrumental: creatividad e inteligencia en suma. »
El Mundo, 10 de octobre 2003 Leer el artículo
« Sólo faltaba que el grupo estuviera a la altura, y vaya si lo estuvo. »
Crónica web del Festival Trojazz de Villena, agosto 2004
« Qué bonito concierto, qué buen gusto. Un violonchelo, una guitarra española y una batería, se unen, se acompañan, se acarician. »
Crónica Valladolid web musical, octubre 2004
- Radios :
France Inter – Ascenseur Pour le Jazz – Julien Delli-Fiori
Radio3 – Discópolis – José-Miguel López
Radio3 – La Ciudad Invisible – Marta Echevarría
Radio3 – Mundo Babel – Juan Pablo Silvestre
Radio3 – Duendeando – Teo Sánchez
BBC – The Sound of the World – Charlie Gillet
France-Inter - Pollen/Ti mal - Jean-Louis Foulquier et Ambre
KUAC-FM in Fairbanks, Alaska – Funk Roots – Ray Funk
KCRW in Venice, California - Tom Schnabel
El festival Segojazz alcanza su quinta edición con un presupuesto cercano a los 15.000 euros
El Festival de Jazz de Segovia, Segojazz, desarrollará su quinta edición entre los días 24 y 26 de noviembre, con una oferta de tres conciertos en los que el Ayuntamiento de Segovia ha invertido unos 15.000 euros, según explicó hoy el alcalde de la ciudad, Pedro Arahuetes (PSOE).
Según explicó Mariano Gutiérrez, las actuaciones se abrirán el día 24 de noviembre con el grupo Collective, una formación que sólo lleva año y medio trabajando pero que cuenta con músicos de larga y reconocida trayectoria, como el saxo canario Kike Perdomo, el pianista David Lenker, el contrabajo Francis Posé, y el batería José Vázquez 'Róper'.
El segundo concierto, el sábado 25, correrá a cargo del pianista Pepe Torres, quien señaló que como toledano, aunque residente desde hace muchos años en Madrid, 'es un placer tocar en Castilla'; también añadió que presentará temas de su primer disco, publicado en 2001, y del segundo, que aparecerá próximamente.
Las actuaciones se cerrarán el domingo día 26 con la actuación de la cantante valenciana Ester Andújar, acompañada al piano por Ricardo Belda. Mariano Gutiérrez comentó que en todas las ediciones del festival se ha contado 'con una cantante, ya que el marco íntimo que ofrece La Alhóndiga es idóneo para escuchar una buena voz'.
domingo, noviembre 19, 2006
Un libro analiza la salud laboral del flamenco
La salud laboral en el Arte Flamenco, escrito por José María Parra Expósito y Carles Salas Ollé, ofrece los resultados de un estudio acerca de las condiciones de trabajo en las que se desarrollan las tres disciplinas básicas del arte flamenco: el cante, el toque y el baile
Está prologado por dos expertos de reconocido prestigio cada uno de ellos en su ámbito, Emilio Castejón en la Prevención de Riesgos Laborales y Carlos Arbelos en el Flamenco, quién además ha cedido las fotografías que ilustran el libro.El trabajo contempla tanto el aspecto medioambiental como los factores psicológicos, ergonómicos y de salud y ofrece una orientación de aplicación básica desde la perspectiva de la prevención de riesgos laborales.
Se ha llevado a cabo gracias a la colaboración de un número determinado de artistas flamencos de diversas zonas geográficas, nivel artístico y especialización, realizado directamente mediante una serie de entrevistas personalizadas. (Entre los que destacan José Merce, Paco Cepero, o Chano Lobato entre otros)
El principal objetivo de sus autores ha sido equiparar la actividad flamenca a cualquier otra actividad laboral, sin pretensiones técnico-científicas de alta prestación, a partir de la particularidad y la idiosincrasia que envuelve a este género exclusivo y de reconocido prestigio internacional.
El libro está estructurado en cuatro partes que se concretan en: la metodología llevada a cabo, la cuantificación de los resultados, el análisis de los mismos, y un apartado dedicado a consejos y recomendaciones prácticas para la prevención de riesgos laborales en esta profesión. Y está dirigido a todos los agentes que intervienen en esta actividad pero especialmente orientado a sus principales protagonistas: los artistas.
Este estudio fue presentado en forma de ponencia en el XI Congreso Europeo de Medicina del Músico y el II Congreso Internacional de Medicina del Músico celebrado Terrasa (Barcelona) y en el IV Congreso Internacional de Prevención de Riesgos Laborales y VIII Congreso Andaluz de Seguridad y Salud Laboral celebrado en Sevilla.
El próximo sábado 18 de noviembre –20:30– será nuevamente presentado por la Asociación Flamenco Vivo en Badalona.
Libro revela historia del sello de Duke Ellington y Keith Jarrett
http://actualidad.terra.es/cultura/articulo/libro_duke_ellington...
El libro 'El sello que Coltrane impulsó', de Ashley Kahn, revela la historia del sello discográfico de jazz 'Impulse records', que tuvo al saxofonista John Coltrane como estandarte y por el que pasaron figuras de la talla de Duke Ellington o Keith Jarret.
El libro parte de una investigación en diversos archivos y una cincuentena de entrevistas a músicos, ejecutivos de la industria y productores, entre los que destacan los artistas del sello Duke Ellington, Sonny Rollins, Carlos Mingus o Keith Jarrett.
La obra también desgrana las historias íntimas de algunas de las grabaciones de jazz más importantes de todos los tiempos, incluyendo fotografías e ilustraciones.
El autor, Ashley Kahn, periodista y editor, ha sido colaborador del 'New York Times', así como redactor de 'Rolling Stone Jazz & Blues Album Guide' y ha publicado 'Miles Davis', 'Kind of Blue' y 'John Coltrane: la historia de un álbum emblemático'.
Entrevista con Chano Domínguez sobre su último proyecto - "New Flamenco Sound es la etiqueta que he decidido ponerme yo mismo"
Información Recopilada de EsFlamenco:
http://www.esflamenco.com/scripts/news/esnews.asp?frmIdPagina=589
A Chano Domínguez Cádiz le sale por los dedos. Cuando se sienta ante el piano, sus manos destilan un sonido que mezcla el flamenco de sus raíces con el jazz de acento sureño. Su pasión por la música es tal, que cada vez que habla de ella su rostro esboza una sonrisa amable y generosa. Gracias a su personal sonoridad se ha convertido, por derecho propio, en uno de los músicos españoles más reconocidos internacionalmente. De hecho, con su último trabajo "New Flamenco Sound", ha firmado por el prestigioso sello Verve. Y es que con casi 30 años de carrera musical a sus espaldas, Chano Domínguez llega más potente y enérgico que nunca. Lo pudimos comprobar durante la inauguración del XXIII Festival de Jazz de Madrid. 
¿Cómo surgió este proyecto de New Flamenco Sound?
Esto significaba hacer un grupo más grande, lo que complicaba el proyecto. Hacer un grupo de 10 músicos que puedan tocar, ensayar y grabar es una afrenta bastante complicada. Entonces, cuando me fui a vivir a Cataluña, me di cuenta que si tenía que hacerlo era allí.
Allí me vi rodeado de una serie de músicos jóvenes con ganas de tocar y de implicarse en una historia musical como la que yo les planteaba. Era el momento de hacerlo, porque además la Junta de Andalucía a través del certamen "El Jazz viene del Sur" me permitió poner en marcha el proyecto.¿Cómo es esa banda que lo hace posible?
 Chano Domínguez al piano |
También está Jordi Tonel, que ya no es tan joven, pero que es un guitarrista que conoce perfectamente el jazz y el flamenco y encima es casi es un músico de rock, por lo que tiene muchas cosas en común conmigo. Y Diego Urcola, que es un musicazo que con su trompeta aporta un color de jazz latino impresionante.
En este disco hay un contraste de músicos entre gente del flamenco, gente del clásico, gente del rock y gente del jazz moderno. Hay una mezcla de músicos que es lo que da ese nuevo color que es el "New Flamenco Sound".
¿En qué consiste más concretamente ese Nuevo Sonido Flamenco (New Flamenco Sound) que da título al disco?Lo que define mi sonido, a pesar de que yo sea un músico de jazz, es la relación que tengo con el mundo del flamenco. |
Además, creo que es un nuevo sonido el que hay en mi música con esta formación. Lo que define mi sonido, a pesar de que yo sea un músico de jazz, es la relación que tengo con el mundo del flamenco. Es algo que está entroncado en mi educación, en mis vivencias desde mis primeros recuerdos.
Mi música es flamenca y este es un nuevo sonido que adopta con todo el nuevo elenco de músicos e instrumentos. Eso es el New Flamenco Sound, mi nuevo sonido flamenco. En resumen, es una mezcla de músicos que interpretan una música que está escrita por una persona que ha nacido en la cuna del flamenco pero que de siempre ha anhelado tocar música improvisada.
La base de todo este New Flamenco Sound sigue siendo tu piano flamenco, estilo del que eres precursor. ¿Cómo se hace para que un piano suene jondo?No es que el piano sea flamenco, el piano nunca será flamenco, el que soy flamenco soy yo porque he nacido en Cádiz, mi primer instrumento fue la guitarra flamenca y me he criado en un entorno rodeado de esa música. Eso me ha marcado sin quererlo incluso.
Yo he escuchado mucho flamenco y de ahí he sacado mucha música, de la guitarra flamenca, sobre todo de la guitarra de Paco de Lucía. |
Cuando me siento delante de un piano me siento flamenco, me sale Cádiz. Me puedo poner a tocar por bulerías porque conozco sus claves. Puedo acompañar a un cantaor porque conozco las armonías de los distintos cantes. Yo he escuchado mucho flamenco y de ahí he sacado mucha música, de la guitarra flamenca, sobre todo de la guitarra de Paco de Lucía. Para mí Paco es una referencia primordial para captar el lenguaje del flamenco.
¿Cuál es el secreto del éxito, cada vez mayor, del flamenco jazz?¿Cuál es la relación entre ambas músicas, que las ha acabado convirtiendo en dos habituales aliadas?Tanto el flamenco como el jazz son una eterna mixtura, una eterna mezcla. |
Además, ambas músicas tienen una gran carga de libertad y de improvisación. Yo siempre digo una cosa, en el jazz se improvisa dentro de una estructura y en el flamenco se improvisa con las estructuras.
Otra cosa que comparten el jazz y el flamenco es cierta filosofía de vida. El músico de flamenco necesita tocar, necesita cantar, necesita expresarse y le encanta la noche para hacerlo. Es algo que también le pasa al músico de jazz. Ambos son dos músicos bohemios que necesitan olvidarse de todo cada día y volver a crear y volver a sentir el placer de tocar.
Tras casi 30 años dedicados a la música, ¿en qué momento te encuentras?Soy muy inquieto y no me voy a dejar dominar por mí mismo, no quiero ser una caricatura de mí mismo. Es fácil repetirse cuando uno encuentra una forma de expresarse que engancha con el público Pero yo no soy así, me resisto a ser un Chano que se apoltrona.
El XII Festival de jazz y nuevas músicas de El Ejido comienza esta noche con Doris Cales y Bobby Martínez
La XII edición del Festival de jazz y nuevas músicas de El Ejido arranca hoy a partir de las 10 de la noche en las instalaciones del Círculo Cultural y Recreativo que organiza el evento junto con la concejalía de Cultura del Ayuntamiento de El Ejido. La primera actuación será la de la cantante norteamericana Doris Cales. A las 11,30 de la noche se ha previsto la actuación del músico Bobby Martínez, también norteamericano aunque con raíces cubanas.
Doris Cales
Dentro de este nombre se esconden muchos matices, cruces de cultura, un espléndido mestizaje. Nace en Brooklyn, Nueva York, donde mostró a una temprana edad un interés especial por todo lo relacionado con la escena. Todos los miembros de su familia cantan, bailan o tocan algún instrumento, y ella dice recordar noches inolvidables de escuchar a sus hermanos cantar doo-ops (música característica de los años 50- 60 cantada a voces y a capella) en las calles del barrio o descargas electrificantes de percusión.
Sus años de formación musical están influenciados por estilos tan diversos como el soul de Motown de los años 60 pasando por la música psicodélica de los 70, desembocando finalmente en el descubrimiento del jazz de la mano de artistas como Nat King Cole, Dinah Washington, o Johnny Hartman.
En España finalmente pone a prueba su talento como actriz y cantante. Hace su debut teatral en la obra musical Elvis, y a partir de ese momento se dedica íntegramente a la música. Pasa a formar parte del mundo de las cantantes de estudio y de giras, y trabaja con compositores y músicos nacionales de la talla de Juan Carlos Calderón, Miralles, Kitflus, Serrat, Miguel Ríos, Ana Belén, Víctor Manuel, Auseron, por citar algunos ejemplos, y también con músicos internacionales como Lionel Ritchie, Harry Belafonte o Spandau Ballet.
Estudia canto con el maestro Arnedillo, música y piano con Lidia Arion, improvisación vocal con Pedro Ruy Blas y arte dramático en el Laboratorio William Layton de Madrid donde conoce a su profesor y mentor José Carlos Plaza con el que actúa en tres obras de teatro; La Orestiada, La Bella Helena donde comparte cartel con Ana Belén, Juan Canovas y Pedro Ruy Blas, y Viajes al Interior: Pessoa. De la mano de Miguel Narros actúa en la polémica obra Marat-Sade.
Sus colaboraciones con el mundo del jazz hablan por sí solas; Jorge Pardo, Jerry González, Horacio Icasto, Víctor Merlo, Carlos Carli, Raimundo Amador, Antonio Serrano, Jesús Pardo, Nono García, Miguel Ángel Chastang, Pedro Sarmiento, Tomas San Miguel o Pedro Ruy Blas, Brannen Temple, Aruán Ortiz, Javier Vercher.
Con la presentación de su CD “Songs From My Heart” (Quadrant Productions 2006) y contando con la producción estelar del norteamericano Bruce Barth, entra por la puerta grande en el mundo del jazz como solista. Actualmente está preparando su segundo disco donde repite el tándem Cales-Barth con composiciones originales y alguna que otra sorpresa. El disco previsiblemente verá la luz en primavera del 2007.
Posee una voz llena de fuerza, sentimientos, de un feeling abrumador. Con solo un susurro de su voz te pone la carne de gallina. Con un gesto de su mano te llena de alegría. Con una mirada que parece dirigida directamente a tus ojos le jurarías amor eterno. Es una tejedora de cuentos y de sueños. Te lleva allí donde quiere con una voz que domina hasta el delirio. Desde el momento en que pisa el escenario entras en un mundo de emociones, envuelto por la magia de una presencia escénica y una voz sin par. Es sin duda una de las voces más importantes de la escena musical actual. Todo un privilegio.
Proyecto Songs from my Herat
Doris Cales se ha sumergido en el recuerdo de todas aquellas canciones que siempre había querido cantar y ha salido a la superficie con algunas inolvidables como “One For My Baby”, “In My Life” o “You’ve Changed” ejecutadas siempre con un estilo propio y desde el respeto.
Doris Cales ha compuesto nuevas canciones para esta nueva etapa musical de su vida y tendremos la oportunidad de escuchar entre otras “Falling” o “Until You’ve Kissed Me”.
En sus directos Doris Cales cuenta con la presencia de músicos muy conocidos y valorados del jazz como por ejemplo: Germán Kucich, Juanma Barroso, Nirankars Kalsa, Tony Hamer, Carlos Ibáñez, Paco Charlín, Horacio Icasto. Verdaderos pesos pesados del jazz contemporáneo.
La cantante-compositora Doris Cales confiesa ser visceral hasta el punto de dejarse llevar por las emociones que le invaden. Ese es el criterio que ha utilizado a la hora de escoger el repertorio que comprende "Songs From My Heart".
No cabe ninguna duda de que éstas "canciones desde su corazón" nos conmoverán como todo lo que hace ésta mujer entregada en cuerpo y alma a la vida, a la música.
Stormy weather: Women and jazz
Además de Songs from my Heart la incombustible e inquieta Doris Cales presenta Stormy Weather: women and jazz. En formato de dúo, voz y piano, Doris Cales lleva al escenario una propuesta arriesgada y comprometida.
Después de una labor de investigación exhaustiva, ha salido a la luz con un trabajo que reflexiona sobre el papel que la mujer ha desempeñado en el mundo del jazz. Una relación compleja, enriquecedora y muchas veces difícil para la mujer que se empeñaba y se empeña en querer destacar en el jazz como algo más que un elemento decorativo. El gospel y el ragtime, o la primera obra musical escrita para artistas negros "Porgy and Bess". Ma Rainey y Bessie Smith, pasando por instrumentistas como Lil Hardin o Mary Lou Williams, y siguiendo con compositoras como Carla Bley o Betty Carter. Doris Cales nos hace partícipes de las historias y anécdotas de mujeres conocidas y desconocidas a través de una selección de canciones que intentan reflejar el legado de las mujeres en el jazz.
Presente y futuro
En estos momentos Doris Cales esta preparando su segundo disco como solista. La grabación cuenta una vez más con la inestimable colaboración del músico, compositor y productor americano de jazz Bruce Barth además de arreglos del pianista argentino afincado en España Germán Kucich. El disco saldrá a la luz bajo el sello del prestigioso Joseph Ramón Jove con el sello Quadrant Productions y promete muchas sorpresas agradables. Sin duda será la confirmación de una de las más importantes vocalistas de jazz en España.
Además de componer y de estar preparando su segundo disco, Doris Cales también comparte una colaboración especial con el exitoso dúo de house-chill out-flamenco conocido como Doctor Joker compuesto por el guitarrista Antonio Santos y el percusionista Wally Frazer. La cantante Doris Cales se siente atraída por la investigación de las posibilidades de una fusión entre el jazz vocal con la electrónica. Su presentación en los festivales de nuevas músicas y festivales alternativos de la magnitud de Sonar demuestran que la unión entre el jazz vocal y las nuevas tecnologías llamado Doctor Joker-Doris Cales es el principio de una hermosa amistad musical. Como nos tiene ya acostumbrados, toque el campo que toque, Doris Cales lo convierte todo en oro.
Bobby Martínez
Nació en Filadelfia (USA). Descendiente de cubanos, crece y se educa en Miami. Toca el saxo desde los seis años. Comienza a estudiarlo con el Maestro Rolando Lluis (Violinista y Saxofonista). A los siete, realiza su primer concierto como solista en el Milander Auditorium of Hialeah (Florida). Fue integrante de la Jazz Band de Hialeah High School, najo la dirección de James McGonigal. Durante los once años que vivió en Venezuela integra el popular grupo del momento Los Kings , realizando diversas giras por el continente americano.
A su regreso a Miami continúa estudiios avanzados en el Miami-Dade Community College con John Georgini, que lo selecciona primer tenor y primer alto de la Miami-Dade Community Jazz Band que conquistó primeros lugares a nivel nacional y realizó conciertos en festivales como Montreux Jazz Festival, North Sea Jazz Festival, New Orleans Jazz Festival…
De regreso de Europa, integra la Miami Sound Machine, trabajando junto a Gloria y Emilio Estefan , desde el comienzo de la banda. Período en el cual compone el tema Sunride, que Gloria incorpora en los primeros álbumes. Posteriormente se marcha a New York para perfeccionar técnicas con el clarinetista y saxofonista Eddie Daniels. Ha integrado bandas en pleno auge en Miami como Paragon, en el estilo de jazz fusión, creada por él, Secret Society, Willy Chirino, entre otras.
Latin Elation I es el título del más reciente álbum de Bobby Martínez y es una banda de latín jazz que funde bien las raíces afro-cubanas con el lenguaje de jazz y su riqueza armónica.
Los temas son composiciones originales, en los que la banda influye en todo momento con creatividad, soltura y musicalidad.